CINE CON CALLE! en el Brillante

CINE CON CALLE! es una propuesta de CITIO de reutilizar el espacio público y enriquecer la vida de barrio y el sentido de comunidad a través de la proyección de cine. Este 29 de Enero se realizó la primera experiencia de esta propuesta en el barrio de El Brillante, en Pamplona Alta - San Juan de Miraflores, exactamente en el jr. Pablo Arguedas.

La proyección se realizó en el marco de la semana de aniversario del Brillante, donde los vecinos organizan una serie de eventos socio-culturales con gran éxito en la zona. Desde hace un tiempo cuentan también con el apoyo de El Cartón, colectivo de estudiantes de arquitectura de la URP quienes además realizan ahí un estudio urbano para gestar futuros proyectos, y con quienes hemos compartido diversas actividades anteriormente. Fue a través de ellos que formamos parte del programa con esta propuesta que teníamos esbozada desde hace un tiempo y que coincidió con su idea de hacer cine en el Brillante. Como paréntesis, quisieramos agradecer al Carton ya que además nos apoyaron con la logística del evento.

Nosotros desde hace mas de tres años tenemos un cinematógrafo en la UNI llamado CINEFAUA, en alusión a nuestra facultad (FAUA = Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Artes), la cual por razones prácticas funciona en épocas de clase, todos los viernes a las 7pm en el auditorio de la facultad. La característica que diferencia a este cinematógrafo con los diversos que existen en la ciudad, es el puente que del cine se tiende a la arquitectura y la ciudad, a través de introducciones temáticas, ponencias, conversatorios, performances en vivo, experiencias interactivas, etc.

Es así que comenzamos a proyectar CINE para hablar de CIUDAD, y ahora buscamos proyectar CINE en la CIUDAD para intervenir en ella. Bajo esa idea general nace "Cine Con Calle!" y específícamente busca dinamizar la vida barrial, rescatar espacios públicos olvidados y/o potenciar otros, tambien en algunos casos reutilizar los enormes paredones que parecen estar de moda en nuestros distritos, y por último, proyectar buen cine en las calles de forma gratuita.

En esta primera proyección pasamos "Luces de la Ciudad", film de 1931 protagonizada y dirigida por el maestro Charles Chaplin, la cual nos dio resultados muy satisfactorios. El "efecto Chaplin" es inminente: a pesar de ser una película muda y muy antigua, decenas de niños y madres de familia vinieron, se divirtieron y carcajearon a mas no poder con las peripecias de Charlot (el personaje de Chaplin), además de chicos, chicas, y señores adultos, que a la vez, estaban presenciando un hito en la historia del cine.

Para esta primera experiencia, cabe resaltar como es que los mismos vecinos sacaron las bancas de sus casas para colocarlas en la pista y ser parte de este encuentro y, posteriormente, como venían algunas niñas del barrio a vender canchita y golosinas. Al final de la proyección, pasada las 10pm, los vecinos se quedaron con las ganas de ver otro film pudiendo durar la actividad hasta pasada la medianoche. Lastimosamente no pudimos proyectar "Cinema Paradiso", el film italiano que iba a ser el segundo de la noche, por motivos logísticos. Sin embargo, la gente se quedó muy satisfecha.

Despues de esta primera experiencia, tenemos en lista varios espacios en diferentes puntos de Lima para seguir  con esta aventura. Pero además, siempre estamos en busca de nuevos y por eso,  se reciben sugerencias de cualquier persona que conozca un espacio o calle  potenciable para proyectar cine, ademas de otras actividades, ya que si la situación lo amerita, también se puede juntar con teatro, graffiti, música, recitales, etc, ya sea por los mismos vecinos o por compañeros nuestros, como anteriormente hemos hecho en los eventos "Estamos en la Calle" y "(des)Tapada Limeña".

Ya estaremos pasando la voz para el siguiente Cine Con Calle! y me despido retomando la frase de la película española "Noviembre": Cierren las Salas, el Cine esta en la Calle! 

Texto y Fotos: Gonzalo Díaz

UN BAR Y MIL HISTORIAS*

Por Luis Chavez A.

Ya estamos algo sazonados de tantos pomos de cerveza. Han transcurrido casi cinco horas desde el inicio. Empezamos como a las tres de la tarde en la calle Quilca, buscando algunos títulos de ediciones antiguas, y por fortuna encontré un par de reliquias. Entonces, para celebrar las adquisiciones, nos metimos al bar Queirolo; y aquí estamos; hablando tantas tonterías. Y para colmo estamos en el salón de al fondo llamado Hora Zero, en honor al movimiento poético de los setentas. Y aunque el salón, a pesar de estar abarrotado de bebedores y bebedoras, no despide ese olor de cantina nauseabunda en donde se mezclan el aserrín, los orines y el perfume barato de alguna meretriz.

--- ¡oye Juan! Escúchame no te distraigas---

Me habla fuerte Sebastián:

--- Tranquilo--- le digo ---no te preocupes, si tu papá te jode mucho, entonces vete a vivir donde tu madre, y asunto arreglado---

--- no es así de fácil--- me dice --- ¿qué quieres? ¿Que me quede sin plata? ¡Ni pensarlo!, mi viejo es el que me provee de billete, y así lo tendré que soportar---

---Bueno, con tal de que no dejes la universidad, el resto no importa. Ya sabes. Tienes que pensar en tu futuro---

Y al soltar la carcajada, me responde: --- ¿oye Juan, tú crees que la literatura me va a dar billete?---

---Bueno, quizá no al principio…pero después, ¿quién sabe? Además no debes pensar solo en billete, también hay otras cosas---

--- ¿otras cosas?---

---sii, ¿cuáles son esas cosas?--- Pregunta un viejo ebrio y desaliñado del grupo de la mesa del costado que está muy cerca de nosotros. Y yo respondo:

---Bueno son muchas. Está por ejemplo, tener la satisfacción de hacer lo que realmente quieres; o llegar a publicar tu primer libro; y así poder contarle algún día a tus nietos tus experiencias, solo por el hecho de haber conocido personajes interesantes.

--- ¡Bien dicho jovencito!--- interviene el viejo que lleva una barba a lo Rip Van Winkle. ---Por lo visto, a pesar de tu corta edad tienes algo de mundo; y eso es saludable para ustedes los jóvenes--- Pero luego interviene Sebastián:

---Pero ni siquiera he escrito dos cuentos, y para colmo, cada uno de ellos me demandó un año entero. En realidad me gusta la narrativa, pero creo que no me entra----

---No debes preocuparte--- responde el viejo ---esto es un asunto para los más tercos, solo tienes que ser laborioso y disciplinado, y finalmente en algunos años, quizá hayan frutos--- solo tienes que tomar las cosas con más calma---

Y mientras moja sus rojizos y cuarteados labios con un sorbo de licor, lo observamos detalladamente y nos preguntamos, de donde ha salido este viejo que más parece un mendigo. Pues lleva puesto un abrigo en paño negro, totalmente apolillado. Y en un arranque desafiante le preguntamos:

--- ¿Cómo es que usted sabe tanto? ¿Acaso es escritor?---

---En cierto modo creo que lo fui. Pues, llegué a escribir crónicas en algunos periódicos importantes de la época.

--- ¿Entonces fue usted periodista?--- insistimos:

---Algo así; aunque en esa época no se estudiaba para ser periodista, porque antes tenías que haber recorrido las calles y conocer a todo tipo de personajes, tanto marginales como brillantes, además de tener buen olfato y principalmente mostrar cualidades para escribir---

---Pero ahora vivimos otras épocas, y tenemos que estudiar mucho--- Le respondo junto a Sebastián.

---En parte sí. Pero también necesitan de algo más importante--- aclara el viejo ---solo tienen que adentrarse a un círculo del cual terminarán tan inmersos sin siquiera sospecharlo.

---Y cómo lograremos lo que usted dice ?--- le preguntamos al unísono.

---Pues, necesitan más bohemia, deben de recorrer más calle, tienen que meterse a la movida cultural; pero a la popular; no a la clasista. Deben conocer personajes marginales y atravesados. También a las putas, pero las más avezadas, esas que andan en La Parada; pero sobre todo no deben olvidarse de los poetas malditos, esos que son vetados por la clase intelectual. Solo así, de esa manera tendrán bagaje para poder crear sus personajes---

---Oiga señor, pero todo lo que usted dice… ¡Lo estamos haciendo!---

---Perdónenme jóvenes, pero ustedes todavía son unos pichones, y eso se nota a leguas---

--- ¡Pero señor! Usted mismo lo está diciendo, todavía somos jóvenes---

---Por eso. No deben preocuparse antes de tiempo---

En esos momentos, uno de los del grupo de la mesa del viejo, que por cierto es otro viejo, se incorpora hacia nosotros y nos advierte: --- ¡no le crean nada a éste señor, sólo es un borracho que inventa historias!--- Y se vuelve nuevamente a su grupo.

Entonces, el viejo; nuestro viejo, prosigue con nosotros:

---Miren, antes aquí, en el centro de la ciudad, se desarrollaba toda la bohemia limeña, abundaban las encerronas, las jaranas, las poesías, los encuentros izquierdistas y muchas otras cosas. Por ejemplo, todos los de la redacción, antes y después de los cierres nos íbamos a burdelear, al jirón Huatica casi siempre; y hacíamos cola para rendirnos ante los encantos de “La Shimabuco”, pero el hijueputa de Prado lo mandó clausurar en el 56, por eso luego le sacamos el jugo al “corralón” de la avenida México. Recuerdo, que uno de los más burdeleros además de Ribeyro, era Jorge “Veguita”. Creo que, finalmente con él nos hemos tirado casi medio Lima. Pero luego de allí irrumpíamos a los bares del centro. Estaban por ejemplo; el Negro-Negro, en el sótano de la plaza San Martin---

--- ¿Es verdad que ese es el bar “La Catedral” de la novela de Vargas Llosa? Pregunta Sebastián.

--- En realidad Vargas Llosa, iba muchas veces al Negro-Negro, aunque no bebía mucho; pero creo que ahí se inspiró en los personajes de la novela. Pero también íbamos más allá, bajo los portales, al Zela; y en la siguiente cuadra en la avenida La Colmena, al Palermo, y otras veces al Chino-Chino. Pero tampoco quiero olvidarme del que está al costado de Palacio, donde nos servían un tremendo Tacu-Tacu---

--- ¿Cuál?--- Le preguntamos.

---Ahí, en la calle Ancash; El famoso Cordano--- Por eso creo, que los que hemos llegado a pisar estos huariques; ahora podemos morirnos tranquilos. Así como lo hicieron Martín Adán, el propio Ribeyro, Arguedas, Salazar Bondy, Sérvulo Gutiérrez, Humareda, Eleodoro Vargas Vicuña, Luis Alberto Sánchez, Romualdo y Pablo Guevara entre muchos otros que ya el “Chilcano” no me hace recordar.

---Bueno--- Intervengo ante la mirada atenta de Sebastián --- ¿estamos en el Queirolo no? Por algo hay que empezar---

---Bien dicho muchacho, si observas a todos los personajes que reposan en las paredes de éste salón; todos hicieron escala aquí. Pues Hora Zero nació en este mismo bar en el setenta. Pero antes pasaron desde Vallejo hasta el mismo Manuel Prado, que vivía aquí cerca, en la cuadra nueve de Camaná; y que antes de irse a Palacio de Gobierno hacía una parada obligatoria para servirse una copa de pisco---

En eso, el viejo hace una breve pausa para darle un sonoro sorbo a su pequeña copa de chilcano, mientras que nosotros hacemos lo mismo con nuestras cervezas. Pero el otro viejo del grupo de nuestro amigo el viejo; se incorpora nuevamente y haciendo irregulares bamboleos, hasta llegar a nuestro lado y le dice al viejo: --- ¡Qué coño haces con estos niños!---regresa con nosotros para seguir contándote sobre la Manuela de Luna Pizarro. Y lo coge del brazo y se lo lleva para siempre.

Sebastián y yo terminamos la última cerveza que queda en la mesa, y como por acto involuntario miro la hora en mi reloj; ya dan la una de la mañana. Al rato, salimos del bar algo ecuánimes para poder ir sin problemas por la mañana a la universidad. Y al llegar a casa, me lancé sobre la única cama que tengo.

Son las cinco de la mañana, y apenas habré dormido tres horas y media, pero acabo de darme una ducha fría y mis ganas se parecen a una pila alcalina.

Tengo que aprovechar las tres horas que me quedan para irme a mis clases, procedo a encender mi portátil y me embarga una repentina euforia.

¡Qué alegría! Ahora ya no le tengo más miedo a la hoja en blanco y como un condenado empiezo a teclear…

*Cuento publicado por Luis Chavez en la página http://www.limagris.com/, el cual creemos  interesante compartir para mostrar y recordar aquella Lima bohemia de antaño, y sobretodo, inicidir en la provocacion de conocer, aprender y disfrutar de la calle y la cultura popular  (Imágenes de la web y archivo Citio)

1era (DES)TAPADA LIMEÑA! - Gracias por ser parte de la Mazamorra Cochina!

Clap - Suena el rap en Quilca!

La (Des)tapada Limeña se realizó el Domingo 17 y Lunes de 18 de este año con motivo del aniversario de Lima, pero a diferencia de lo que hace normalmente el municipio u otras entidades publicas, nosotros con la ayuda de muchos amigos  hicimos un evento mostrando las otras caras de nuestra ciudad, ya sea a traves de numeros artísticos, intervenciones urbanas, ponencias y conversatorios (Ver el post anteior para ver información ampliada).

Así, este post se realiza con 2 motivos: el primero es mostrar con imágenes lo que fue esta primera versión de la (des)tapada limeña y el segundo es dar las gracias a todas las personas que han participado de la misma! Ya que como bien sabran algunos, nos mandamos al ruedo en menos de dos semanas con este evento, sin consultar a nadie, y en el camino comenzó a armarse la cosa, hubieron grupos/artistas/expositores que no llegaron a venir por diferentes motivos y esperamos que puedan estar presentes para la próxima edición. En esta ocasión, queremos agradecer de sobremanera a los que pudieron particpar del evento regalando un poco de su arte y/o conocimiento a nuestra ciudad y a los que aportaron con materiales, equipos y otras facilidades para realizarlo.

Gracias a Leyla, Jorge Acosta, Cesar N y a toda la gente del Averno por dejarnos pintar sus fachadas, por utilizar sus espacios, por el prestamo de materiales, por conseguirnos mas fachadas, por difundir el evento y soportarnos!

Gracias a Mishap, Colectivo Seis Monos, Raf y todos los graffiteros que intervinieron en la fachada del Averno

Gracias a La Brigada Muralista por su internveción en conmemoración a Vallejo y Arguedas

Gracias a Los Marginales por sus estupendas intervenciones con papel

Gracias a Jean y la ONG Tierra de Hombres por sus graffitis móviles, por la donación de libros y por el préstamo de equipos.

Gracias a NN Arkitectos por la donación de pinturas y sprays.

A Lorena y Muka por preparar y repartir la Mazamorra Cochina

A toda la gente que presenció el arte callejero aquel domingo

A los chicos de C.H.O.L.O por decorar la calle Quilca y el Averno

Al Atelier de la Carne por sus lúdicas y libidinosas dinámicas con los presentes (y sus cuerpos), y obviamente también a las personas que participaron en ella.

A Tito CalaTito por su contundente actuación

A las Destapadas (chicas CITIO) por su danza oscura y sensual con el gran Tito

Gracias a Frédérique Jonnard por sus luminosos malabares a plena calle

A todos los raperos y dj's que participaron en ambos días. Tambien a la gente de "Cuchillo" por el apoyo con la movida hiphopera

Al Atelier de la Carne, otra vez, por su danza tribal de la carne, a Karel, y a Jose Raggio por su talento y equipos.

A Piero Bustos, vocalista de Del Pueblo Del Barrio, por su magistral interpretación acústica.

Gracias a todos los músicos y cantantes que vinieron a improvisar en la calle al final de la noche dominguera

Gracias a todos los que se quedaron a la película (y gracias al Gato Fritz por amenizar y "culturizar" a los mas chicos)

Gracias al Teatro Loco por su sorprendente locura, una cosa de locos!

Gracias a Antony Quiroz y cía, por la exposición fotográfica en el Averno

Gracias a Elio Martucelli, Christians Luna, Mishap, Jimmy Baltazar, Freddy "Vichama", Giovanna Ramos y Lucho Rodríguez por sus excelentes y nutritivas exposiciones.

A los Sikuris por su ancestral número musical

A las artesanas de Cantagallo

Gracias a Frau Diamanda por su performance Corpus Delictis

  A la gente del Agustirock por venir a traernos una muestra musical

Y gracias a todos los asistentes que estuvieron el lunes 18 en el Averno !!

De seguro que se nos olvida alguien por ahí, pero en fín, gracias a todos los que estuvieron presentes en esta primera versión de la (des)tapada limeña. Habran muchas más y mas mazamorra cochina para todos!

Texto: Gonzalo Díaz

Fotos: Eleazar Cuadros, Mayra Collantes, Gonzalo Díaz

(DES)TAPADA LIMEÑA - Jorobando a Lima con Mazamorra Cochina

17 y 18 de Enero de 2010...

Calle Quilca y el Averno...

Desde las 12m hasta que el cuerpo aguante!!...

Un regalito a nuestra ciudad por su aniversario, hecho por las personas y grupos que siempre estamos regalándole nuestro trabajo.
Una celebración para abrazarla, soñarla, cantarle, reclamarle...
Dos dias de corrido (y de boleto) para pasarla bien en su homenajeada, sin esperar al dia siguiente para sobarle la joroba!

1. ENTRADA: CHANFAINITA
...como JUGANDO...
Lugar: calle Quilca
Día: Domingo 17
Forma: Se convoca a todos los grupos que quieran mostrar su arte. Con los que van llegando se organiza la secuencia y se van presentando, en paralelo, superpuestos, ofreciendo una variedad de espectáculos a los transeúntes. Se sacan los equipos necesarios a la calle. Se improvisan escenarios. La gente interactúa.

12m - PINTO CON-TENTO : Intervenciones en la fachada del Averno y en todas las paredes de Quilca que se regalen a la ciudad

- Murales
- Graffitis
- Stencil
- Tizado
- Serigrafia ambulante (trae tu polo en blanco!)
Partcipan: La Brigada Muralista, Maripussy Crew, ArtedeCalle, El Colectivo, Raf, Los Marginales y todos los que quieran sumarse!!!

6pm - ACCION DE DES-TAPE: CalaTito y las (Des)Tapadas Limeñas incursionan para para robarle público a la serenata de Lima y destapar sus imaginarios, a cargo de Tito Meza, Atelier de la Carne (Jimmy Baltazar, Carlos de Paz) y las Chicas CITIO.

8pm - ESTAMOS EN LA CALLE : Presentaciones-Interacciones de Arte urbano callejero
- Bikers, Skaters, Rollers
- Rap, Hip Hop, Break dance
- Teatro de calle
- Malabaristas de semáforo
- Poetas del asfalto
- Músicos callejeros
- Fútbol de valores (pichanguita en la pista)
- Intervenciones urbanas
- Dinamicas con los niños
- Serenata (des)tapaa
Participan: Todos los que quieran
12pm - VIGILIA QUILQUEÑA: Estar - Cantar - Bailar - Recitar - Leer - Filmar - Pasear - Tomar - Comer, por Quilca y alrededores (en diversos bares, discos, huarikes, etc)
Participan: Todos los que aguanten





2. PLATO DE FONDO: SIETE COLORES
...hablando con la BOCA LLENA...
Lugar: El Averno (salvo el ritual ancestral en psje. Sta Rosa)
Día: Lunes 18 desde las 3pm
Forma: Se presenta un orden general a través de 7 segmentos, dentro del cual las personas participantes van exponiendo en el orden que quieran pero con un máximo de 15 minutos para su tema (lo ideal es que sea entre 5 y 10 minutos), ya que se quiere algo muy ágil: una mirada general a todas las propuestas que existen y que son muy diversas. (OJO: Son todos los que podrían hablar de algo, no todos estan confirmados aun hasta el momento).

10am - RITUAL ANCESTRAL: HOMENAJE A TAULICHUSCO, con la panaca limeña y el grupo Pachacamac, musica ceremonial en vivo en la piedra de Taulichusco, pasaje Sta Rosa.

-DESCANSO-

3pm - PRESENTACION DE GRUPOS LIMEÑOS:
- Sin Citio en Lima: CITIO Ciudad Transdisciplinar (Lisset Escudero)
- Lima en Cortos: 5min5 (Efraín Aguero)- Arte en Lima Emergente: CHOLO (Marcelo Zevallos / Julia Salinas)- Audiovisuales en Lima: PortaVoz Perú (Walter Canchaya)- Lima Ancestral: Grupo Pachacamac (Giovanna Ramos)
- Los cerros de Lima murmuran colores: La gran Marcha de los Muñecones (Jorge Rodriguez / Patty Beltrán)
- Lima Carne Divina: El Atelier de la Carne (Jimmy Baltazar - Carlos de Paz)
- Lima como lienzo / Los muros de Lima: Marypussy Crew (Carolina Dreyffus - Mishap)
- Lima marcha / Lima, Arte y Política: El Colectivo (Oscar Salvatierra)
- Lima ciudad y memoria del presente: El Cartón (Jose Luis Casanova / Carla Poma)
- El Arte toma las calles de Lima: Colectivo ArtedeCalle (Jorge Polar)

5pm - PRESENTACION DE PROYECTOS Y ACTIVIDADES EN LIMA

- Lima Solidaria: Foro de la Cultura Solidaria en VES (Freddy de la Cruz - Vichama)- Lima es una Fiesta: FITECA (Jorge Rodríguez - Comunidad Fiteca)- Lima Rockera: Agustirock (Walter Canchaya)
- Lima Resiste: El Averno
- Lima Espritual: El Recorrido de las Huacas (Giovanna Ramos - Grupo Pachacamac)
6pm - PONENCIAS / EXPOSICIONES:
Presentacion / Introduccion

6.10: Lima Extrema: Skateparks Peru, espacios de inclusión e integración social. Reflexiones y Proyectos sobre parques para deportes extremos (Eleazar Cuadros)

6.20: Los Techos de Lima: Proyecto de Intervención arquitectónica de las azoteas de las Casonas del Centro de Lima (Carmen Ávila)

6.25: Lima Ambulante: Ocupaciones temporales en los espacios públicos del centro de Lima. Tesis de Investigacion en Urbanismo (Gonzalo Diaz)

6.35: Lima como Mito: Leyendas Urbanas o la Arquitectura de la ciudad. Proyecto de Regeneración Urbana de la zona Quilca/Camaná/Rufino Torrico (Javier Vera)

6.50: Intermedio Musical

7.00: Lima Ancestral (Giovanna Ramos)

7.10: Lima Dispersa: Paralelos entre la ciudad de Lima actual y la prehispánica. Tesis de Investigación en Urbanismo (Jerry Ccanto)

7.25: Panaca Limeña: Difusión y gestión cultural en Lima rescatando nuestra cultura e identidad (Gerson Paredes)

7.40: Intermedio Audiovisual7.50: Lima y sus Derivas: Salir, mirar y ser mirado. Repaso histórico de las intervenciones artísticas en en espacio público en Lima desde los 70s (Christians Luna)

8.10: Lima a Colores: Intervenciones urbanas con pintura mural, graffitis y todo lo que las paredes de Lima pueden soportar (Elio Martuccelli)

8.30: Lima es la Muerte: Cementerios Populares en Lima. Tesis de investigacion en Urbanismo (Jimmy Baltazar)

8.50: Lima amiL: Una mirada a lo Electrónico como estrategia de cambio social en nuestra ciudad (Carlos Tapia)

8.10: Intermedio Musical

8.30: Lima Moderna: Revisión de la Evolución de Lima en los últimos 50 años (Adolfo Córdova)

8.50: Lima Periférica: Crecimiento de Lima y evolución de las barriadas limeñas en el siglo XX (Gustavo Riofrío)

9.10: Lima 500: Proyecto para la celebración del aniversario 500 de Lima (Luis Rodriguez)

9.30 Lima en Cueros: Actividad Performática para convivir con la ciudad (Frau Diamanda)

10.00 pm: FIN DE FIESTA!

Un salud saludcito

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3. COMPLEMENTOS
...Relax contemplativo participativo...

- Muestras fotográficas

Lugar: calle Quilca y El Averno
Días: Domingo 17 y Lunes 18

- Proyección de videos

- Instalaciones

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4. POSTRE: MAZAMORRA COCHINA
...su detallito...

Lugar: por ahí
Días y horas: Domingo 17 y Lunes 18, en intervalos desconocidos
Forma: Se invitará a los ambulantes que venden comida y postres a darse una vuelta por el evento. Como cortesía de los organizadores, se repartirá un sabroso platito de Mazamorra Cochina a cada uno de los participantes.Y de más está decirles que correrá el rico ron por las calles de Quilca esos días... eso ni siquiera hay que organizarlo.

Donación: 1 spray o 1/8 de galón de pintura o a voluntad en la pasada de sombrero

SOBRE EL MAL DISEÑO Y CONSTRUCCION DE SKATEPARKS EN EL PERU

Por Eleazar Cuadros

Skatepark Chimbote: Parece que se les fue la escala, en un lugar donde la modalidad street es masiva, diseñaron un skatepark para la modalidad Bowl, además las medidas estan sobredimensionadas y no tiene radios.

Hace un par de años escribí un artículo que se llamaba - “del peor es nada” al “algo es algo”-. Que era una crítica al mal aprovechamiento de dinero en la mala construcción de skateparks en el Perú, que ya todos conocemos cuales son.

Skatepark San Miguel 2003: Consiste en puros modulos aislados, planos inclinados sin curva de ingreso, no tiene fluidez. Actualmente nadie acude a este skatepark. Fue construido en el gobierno de la alcaldesa Marina Sequeiros , quien luego fue alcaldesa del Cuzco y cometió un error similar en el skatepark de San Jerónimo.

Ahora útimo pude revisar el segundo skatepark de San Juan de Lurigancho 2009 y leí algunos comentarios al respecto en defensa del proyecto. Yo respeto y admiro mucho las ganas de trabajar de los skaters y del Municipio de SJL y su manera de involucrarse en el tema. Pero a lo largo de los años, trabajando en el tema, pude reflexionar sobre el papel que cumple los skateparks en nuestro país.

Lamentablemente el skatepark se sigue entendiendo solo como el objeto o la suma de rampitas para divertirse. Sin embargo, un skatepark es un espacio público de libre acceso para todos, es un espacio democrático para el ocio y la libre expresión urbana, es un espacio de inclusión e integración social (no de exclusión como suele suceder en otros países).

Lo que sucede en el skatepark repercute a todo su alrededor, por lo tanto se le toma igual de importancia al rider (skater, biker, roller) que lo practica como al espectador que lo va a ver, ya que ambos interactúan en la dinámica de la ciudad y, en general, todos tienen derecho al espacio público.

Con la experiencia de Independencia y Villa el Salvador, se pudo entender que los skateparks también son espacios canalizadores de energía, sobre todo en la juventud, y que son herramientas para la regeneración urbana a largo plazo, ya que estos espacios prevéen el mal uso de energía de las personas (sea adrenalina, agresividad o riesgo físico), que generalmente deviene en el pandillaje.

Skatepark San Juan de Lurigancho 2006 : En un incio se presento el proyecto copia del SKATEPARK DE HAWTHORNE CALIFORNIA de 2500 m2. Se aprobo en el SNIP con esa área y respectivo presupuesto, pero se terminó modificando el diseño en un area de 1500 m2.¿Bajo que criterio de diseño?,¿ y el presupuesto?

Skatepark San Juan de Lurigancho 2009: Ubicado en la Av.Mariscal Castilla parero 6

El segundo skatepark de San Juan de Lurigancho niega todo lo mencionado anteriormente, porque es un objeto que no se integra a su contexto, es un claustro de poco registro visual y su uso se puede ir degenerándo con el tiempo, ademas tiene un solo acceso muy peligroso. No genera inclusión, en cierta manera es muy monótono su uso, ya que un skatepark es de concreto y estará ahí por muchísimos años, hasta se puede decir toda la vida, por lo tanto nunca debe de ser aburrido, siempre debe de durar y siempre tiene que encontrársele nuevas formas de divertirse en ella, y el skatepark no presenta esta alternativa. Tampoco logro entender el porqué undir el skatepark 4 metros. Cuando un skatepark se cava es para generar posas o pools ya que la idea es trabajar con movimiento de tierra y compactación de suelos, Sin embargo al skatepark se le colocaron muros de contención, que solo es un gran gasto de concreto y dinero, tal vez sea el skatepark de los olivos un mal referente para esto, ya que la municipalidad de Lima también cometió este tipo de errores en tal proyecto.
Skatepark Yoque Yupanqui en Los olivos : Cero criterio de diseño por el Municipio de Lima; diseñado en un inicio para el Parque los Anillos y que luego se cambió al Parque Zonal Yoque Yupanqui en Los Olivos).

Skatepark Yoque Yupanqui en Los olivos : Replanteo del diseño del skatepark que propusimos, condicionado al movimiento de tierra y el suelo compactado que ya estaba hecho (actualmente construido)

No se trata de desmerecer el trabajo de alguien, pero hay que pensar que esto es parte de una ciudad, de una sociedad y de un movimiento urbano muy grande, que nos involucra a muchos y esos problemas repercuten a todos. La arquitectura es peligrosa, ya que o puedes generar desarrollo con ella o de lo contrario generas conformismo e insatisfacción en los usuarios, como se ve en algunos proyectos que enferman la ciudad (que no necesariamente son skateparks).

Se podría decir que los skateparks están de “moda”, pero eso es un arma de doble filo. Hay que entender que el populismo político es grande, es cierto, las oportunidades van a llover; todos los alcaldes quieren construir skateparks ahora, no porque les gusta el skate, ni porque son buena onda, sino porque ya saben de que este tipo de obras tiene un gran impacto social, sobre todo en los jóvenes, y eso para ellos es igual a “votos”, por lo tanto este compromiso hay que asumirlo con responsabilidad y madurez, ya que no solo puedes hacer un daño a un movimiento tan grande como el skateboarding, sino a otros deportes involucrados y sobre todo a la ciudad.

THE VELVET UNDERGROUND - LOS MARTIRES DEL RUIDO

Por Gonzalo Díaz

Y después del silencio vino el ruido...

John Cage, el maestro del silencio, tenía un discípulo llamado casi como él: John Cale. Al igual que su maestro, Cale pertenecía también a Fluxus, aquel movimiento neodadaísta de artes visuales, música y literatura que veía al arte como diversión, simple y sin pretensiones. John Cale era un esquivo compositor minimalista, era pianista y violinista, erudito en música clásica pero con actitud experimental. Esta actitud fue la que lo hizo conocer a Lou Reed, la otra cara de la moneda: un rockero salvaje, entusiasta del rock & roll cincuentero y una joyita en cuanto a vicios se refiere. Sin embargo, la actitud vanguardista de ambos, los haría tocar juntos. Con dos locos más: el guitarrista/bajista Sterling Morrison y la menuda batera Maureen Tucker, Cale y Reed formarían uno de los más grupos de rock más grandes e influyentes de la historia: The Velvet Underground.

Formación original de Velvet Underground

Los Velvet fueron los primeros rockeros en experimentar con la forma, y sobre todo, con el ruido, el cual utilizarian como atmósfera sonora, sacando los sonidos más bizarros de sus instrumentos (violas, guitarras, bombos) o de cualquier cosa, como por ejemplo, en las canciones “Heroin” o “Venus in Furs”. Asi Velvet creo el género NOISE, en el cual sucederían músicos y grupos importantes: Brian Eno, Sonic Youth, Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, etc. Pero además, también sobresaldrían las letras controversiales de Lou Reed (drogas, sadomasoquismo, travestismo, etc) de las que nadie se atrevía a componer en aquella época, la extraña forma de Tucker de tocar la batería con las manos, y las baladas lánguidas, melancólicas y celebratorias, como por ejemplo la excelsa “Sunday Morning”, que conformarían la otra cara del grupo. Estas baladas tendrían su propia escuela: Big Star, Belle & Sebastian, el twee pop.

Con tal nivel de experimentación Velvet consiguió como mánager nada menos que a otro genio loco como ellos: Andy Warhol, el maestro del pop art, quien buscaba una banda de rock vanguardista para integrarlo a la Factory, su taller/fábrica de artistas, cineastas, actores, modistas, modelos, drag queens y mas, y que de noche se convertía en uno de los bacanales más grandes de la historia (eran habituales Bob Dylan, Mick Jagger, Jim Morrison, Salvador Dalí, Truman Capote y otros).

Velvet Underground con Nico y Andy Warhol

El respaldo de Warhol le costó al grupo algunas alteraciones impensadas, como por ejemplo, incluir a Nico en el grupo, modelo y actriz de la Factory, quien cantaría varias de las canciones de su primer disco, y además componer algunas nuevas canciones por encargo de Warhol como "Femme Fatale", un tributo a Edie Sedgwick, la gran musa “fatal” de las películas de la Factory, del mismo Warhol e incluso de Bob Dylan. Con todo esto, nacería el primer álbum: The Velvet Underground & Nico (1967), una joya de la música por donde se le mire, con una gran cantidad de himnos de rock y que además contaba con una excelente portada pop art hecha por el mismo Andy Warhol.

Portada del primer disco de Velvet diseñada por Andy Warhol

Además, el grupo también innovó en lo que serían las presentaciones de rock, ellos inventaron los conciertos lumínicos, lo que le daba una atmósfera especial a sus presentaciones, compatibilizando con su música. Esto se debe en gran parte a la colaboración de Paul Morrisey, gran cineasta experimental, amigo de Warhol y perteneciente a la familia de la Factory. Además de encargarse de su shows, Morrisey también haría películas y documentales con ellos.

Experimentaciones lumínicas en los shows de Velvet.

Pero no todo fue feliz, la tremenda experimentación del grupo le significó un fracaso comercial (aún con el respaldo de Warhol). Al año siguiente rompería su relación con Warhol y Nico, y seguiría su propio camino. Después de sacar el disco experimental White Light White Heat (1968) donde expandió las posibilidades del ruido, John Cale saldría de la banda llevándose consigo la actitud vanguardista del grupo. Solo con Lou Reed a la cabeza, los velvet sacarían dos discos más: The Velvet Underground (1969) y Loaded (1970), con un sonido más rocanrolero y tradicional, que luego seguiría Lou Reed en su exitosa carrera solista. Aún sin John Cale, estos discos fueron también buenísimos. Clásicos como “Pale blue eyes”, “Sweet Jane”, “Rock and roll”, “Here comes the sun” y “Oh, Sweet Nuthin'” saldrían de esta época, estos dos últimos cantados por Doug Yule, el reemplazo de Cale. The Velvet Underground se disolvería en 1970. Luego de ello hubieron discos inéditos, discos en vivo, un quinto disco que sacó descaradamente Yule con el nombre de la banda (y que se borro automáticamente del mapa), compilatorios, una reunión en 1993 que duro poquísimo… y al final ya nada fue lo mismo.

Velvet Underground 1993

Los Velvet no llegaron a ser populares en su época y no lograron vender una buena cantidad de discos, sino hasta después de su disolución. Al pasar de los años su culto comenzó a crecer como la espuma. En New York, la ciudad que los vió nacer, se generó la tradición musical neoyorkina a raíz de ellos, que luego incorporarían a grandes actos de la historia rockera: New York Dolls, Ramones, Patti Smith, Television, Blondie, Talking Heads, Sonic Youth, The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio, LCD Soundsystem y más grupos noise, punk, post-punk, indies, etc. En general, los Velvet Underground fueron para el rock no comercial lo que los Beatles fueron para el rock comercial.

“Pocos escucharon a The Velvet Underground durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda.” – Brian Eno

En principio, puede parecer paradójico hablar del ruido como parte de la música, o como un género musical más, dado que, tradicionalmente, ruido y música han sido conceptos opuestos. Sin embargo, en las últimas décadas no han sido pocos los artistas y compositores que han introducido componentes de ruido en sus obras, e incluso se han creado sellos discográficos dedicados en exclusiva al "noise", lo que hace pensar que está cambiando nuestra forma de percibir y entender la música en estos últimos años.

En fín, no voy a hacer una relación directa de Velvet con la arquitectura, porque sería muy forzado. Lo que si quiero destacar es la actitud vanguardista de estos artistas, que se fueron en contra de todo lo que dictaba la época (incluso el hippismo que era el paradigma de la sociedad y la música de aquellos años) e hicieron su propia música, o incluso, su propia filosofía de crear música, derivando en una influencia tremenda, sobretodo la cultura Indie. Esto se debe a la influencia de Fluxus y Cage en John Cale, a la actitud de Lou Reed, también a la suerte de conseguir un mecenas como el propio Warhol, pero principalmente, a la inminente situación de lo que significa ser vanguardista en una época, lo cual va directo al meollo del asunto: o eres un artista de verdad o eres una estrella de las masas, cada opción tiene su propia lógica de vida y sus propios beneficios, pero es un punto de reflexión por el cual todo artista debe pasar, y por qué no, todo arquitecto. El tema es muy amplio y de todas maneras recurriremos a ello en futuros artículos.

Este post es el primero de varios sobre rock que pienso escribir, en parte aprovechando el descanso de nuestro cinematógrafo en la UNI (Cine Faua) del cual salieron numerosos posts de cine y arquitectura (y seguirán saliendo, debemos muchos!), pero principalmente, porque el rock es una de las cosas que más amamos, claro, aparte de la arquitectura y el cine! Hasta entonces!

"HEROIN"

"VENUS IN FURS" (segmento en vivo en la Factory)

"SUNDAY MORNING"

"FEMME FATALE" (Voz de Nico, imágenes de Edie Segwick)

EL SILENCIO EN LA ARQUITECTURA

por: Javier Vera(Basado en la exposición-performance creada y realizada conjuntamente con
Lisset Escudero y Carmen Ávila en el 2006)

Es preciso perderse para empezar a escuchar.
Es preciso hacer el silencio en la escucha y en la mirada
para descubrir las formas del silencio.

1. ¿El Silencio solo como ausencia?

En la música, el modo de escuchar el silencio viene determinado por la manera en que se atiende al sonido : el silencio es una figura que indica por cuanto tiempo se debe interrumpir la nota.

Este procedimiento está enmarcado en la dualidad sonido-silencio: Se alude al efecto(s) que puede provocar el silencio, unos efectos que están anclados en un silencio que es solamente concebido como ausencia de sonido

Normalmente, y sobetodo en nuestro mundo occidental, del mismo modo en que es concebido el silencio solo negación del sonido, el espacio es entendido como ausencia de masa, como el vacio resultante de la colocación de objetos materiales. Ambos conceptos muchas veces no tienen un valor propio

2. El Silencio con valor propio

Pero, aunque normalmente esta posibilidad quedaba relegada, se podría escuchar el sonido que continúa en función del silencio que le precede.

Así, el silencio se convierte en una pausa cargada de intención. El silencio es entonces ese suspirar que capta la atención con una intención prefijada, un silencio que puede crear expectativas, un silencio que interrumpe.

El silencio se escribe, se ofrece a la escucha. En la escritura musical el silencio es figura, y cada nota figurada posee su reciproca figura silenciosa, la figura de pausa. Una figura que mide el silencio.

En el lenguaje verbal también se grafía el silencio. Así, los puntos suspensivos dejan colgado el discurso, lo suspenden. Pero el valor de estos puntos depende de la palabra que los antecede.

Tanto el silencio del lenguaje como el silencio que se introduce en la música suelen ser respiraciones que reclaman la atención. Respirar será crear el hueco en el que la atención puede desplegarse. El silencio es entonces como un suspiro.

Y en este suspirar tal vez sea posible modificar la forma en que se escucha, transformar el oído.

3. La enseñanza de John Cage

Aprender a escuchar, aprender a escuchar el silencio y el sonido van a provocar una auto-alteración. Esta es la enseñanza que nos brinda el músico norteamericano John Cage, quien de modo magistral enseñó a escuchar las formas del silencio. Unas formas que requieren destruir las grafías del lenguaje, de la memoria, para mostrar que silencio y sonido siempre están en continuidad.

John Cage fue una especie única de músico. Un músico que pretendió escuchar el sonido sin el acuerdo de un sentido previo. Un compositor que quizo transformar los oídos para dejar ser los sonidos, simplemente para enseñar una escucha que atraviesa las representaciones del pensamiento. Pero tender el oído al sonido, escuchar, requiere primero, auscultar el sonido y el pensar, aunque sea tan solo para dejar el sonido, para dejar de pensar.

4. Sus ideas ...

- Y en el centro… el Silencio: John Cage propuso entender la música básicamente como “organización del sonido”. Con esto buscaba transformar la composición musical en un lugar de organización donde tuvieran cabida todos los sonidos: los ruidos y el silencio.

- Escuchando nuestra propia sinfonía: Imaginemos una persona en su auto delante de su casa, contemplando las montañas y escuchando su propia sinfonía. Para escucharla, para escuchar a la naturaleza, se requiere el silencio del oído. Con el se quiere prestar atención al modo en que debe hacerse el silencio en uno mismo, un requisito necesario a toda escucha.

Silencio quiere decir “callar”. Lo que se calla es la intencionalidad, pero no para entrar en un silencio absoluto, sino simplemente para oír. El silencio del oído será, entonces, el silencio de la escucha dirigida. Si se presta oídos al mundo, el oído se llena de sonidos. Siempre hay sonidos. No disponemos de ningún silencio en el mundo. Decimos que es un mundo silencioso cuando en virtud de nuestra ausencia de intención, nos parece que no hay muchos sonidos.

Es así que Cage se propone enseñarnos a escuchar.

5. Su Obra más radical y representativa: 4´33"
Estrenada en 1952, 4"33´ es, para muchos, la pieza musical más controversial de la historia: Un pianista sale al auditorio, se sienta, pero no empieza a tocar. El público empieza a murmuran, nadie sabe lo que sucede. Algunos sueltan risas nerviosas, otros pifean. El pianista no toca nada. Se oyen suspiros, las páginas de la partitura que pasan, quizás una mosca por ahí, y sobre todo, el sonido mayor, la música más fuerte: nuestra música interior, que nunca calla.

La partitura de esta pieza (con la palabra “Tacet”) indicaba que durante 4 minutos y 33 el o los músicos no debían tocar sus instrumentos, “guardar silencio”, de modo que la canción eran los sonidos ambientales, los que “normalmente” pasaban desapercibidos. De este modo, 4"33´ puede ser “ejecutada” por cualquiera, con cualquier instrumento, y siempre es distinta.

El silencio como continuidad es aquel que descubre el hombre que se ha liberado de su memoria, de sus gustos y emociones. Cage aprendió de la tradición de la India que el sonido siempre continúa. Así nace el silencio de Cage, ese nuevo oído que aprendió a acallar su voz para abrirse a todos los sonidos.

6. El Silencio en la Arquitectura: Edificando el Vacío

Un homenaje a 5 arquitectos y su obra.

Abran bien los ojos y los poros.

De fondo, música de John Cage ...

- Mies Van der Rohe -

"Menos es Mas". Sencillez y formas desnudas, esenciales, anulando, toda ornamentación. La repetición sin diferencias, la monocromía, los espacios vacíos como punto de referencia...EL SILENCIO como uso del espacio arquitectónico.

- Luis Barragán -

“SILENCIO...en mis casas he procurado que prime el murmullo del silencio y en mis fuentes canta el silencio y si estoy lejos de pretender haberle hecho plena justicia en mi obra, no por eso ha dejado de ser mi faro”.

- Tadao Ando -

"No creo que la arquitectura tenga que hablar demasiado. Debe permanecer silenciosa y dejar que la naturaleza guiada por la luz y el viento hable".

- Álvaro Siza -

“A medida que el turbulento siglo XXI avanza, va creciendo la importancia de artífices que, habiendo hundido en él sus raíces, han cultivado la poética del silencio y han sido capaces de interpretar, a través de ella, la realidad caótica y huidiza de nuestra época”.

- Peter Zumthor -

"Para mí, los edificios poseen un bello silencio que asocio con atributos como compostura, durabilidad, presencia e integridad, también con la calidez y la sensualidad. Es hermoso estar haciendo un edificio e imaginarlo en total serenidad".

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Hay que ser humildes para saber callar
y dejar escuchar lo que siempre está presente:
la naturaleza, la ciudad, el espacio, el alma...

RESPETE EL AREA DE "NO CONSUMIDORES"

Victor Lebow, analista de ventas, en la Post Guerra diseñó para Eisenhower el sistema perfecto para afrontar la debacle económica: “… Nuestra enorme economía productiva… demanda que hagamos del consumo nuestra forma de vida, que convirtamos el comprar y usar bienes en nuestros rituales, que busquemos nuestra satisfacción espiritual, la satisfacción de nuestro ego. En el consumo… nosotros necesitamos que las cosas se consuman, que se quemen, que se reemplacen y que se desechen en un ritmo acelerado… “ (traducción del video “the story of stuff” de Annie Leonard). Después de la tragedia del 11 de setiembre el presidente Bush no pidió REZAR, ni TENER FE sino COMPRAR.

El consumo como RITO convirtió a COMPRAR en PLACER, y así en el sentido final de nuestro trabajo! PRIMERO COMPRAMOS LUEGO EXISTIMOS. Inclusive en el diseño comercial celebramos el diseño arquitectónico que explota todas las visuales posibles para explotarlas económicamente. El consumo nos viene bien pues al parecer estamos creciendo económicamente… eso dicen… más concreto y asfalto para todos!… y si aún no te lo crees un anuncio gigantesco se encarga de hacértelo saber en los peajes municipales. Un anuncio se encarga de decirte lo que está bien de lo que está mal, lo importante de lo vanal, así hemos aprendido a aceptar las reglas del consumo, hipnotizados en la lucha mercantilista de las empresas que juegan con nosotros al POSICIONAMIENTO: mientras más rápido llego a tu mente… mejor me va en las ventas.

Cuando una investigación médica comprobó que el cigarrillo era cancerígeno, y que los fumadores pasivos eran más afectados tomó un tiempo para que surgieran leyes para dar frente a los intereses de las empresas tabacaleras. Hoy cuando entendemos el mecanismo del consumo y su repercusión en el balance ecológico y en nuestra estabilidad psicológica al saturar nuestros sentidos con ideas comerciales de lo adecuado ¿No tenemos acaso el derecho de pedir áreas de NO CONSUMO? Espacios que escapen de la jurisdicción mercantilista, espacios para escapar del mensaje de lo económicamente correcto y que comuniquen relaciones que hemos evadido por demasiado tiempo: nuestra calle, ciudad, sociedad… NUESTRA REALIDAD.

Hace 40 o 30 años la idea de una ley para el no fumador era irrisoria. Hoy en una era diferente en medio de una debacle ecológica y social el AREA DEL NO CONSUMIDOR puede tener la misma connotación y quizás dentro de algunos años, al igual que con el cigarro, existan únicamente áreas controladas para el consumismo… todo depende claro de qué tipo de sociedad tengamos en mente.

Bach. Arq. Martín Romero*

FAUA-UNI

*Este es el 1er post subido por un amigo invitado, lo cual nos da mucho gusto ya que lo que se busca es hacer de este espacio una vitrina de expresión para todos, ya sean arquitectos o no, en pro de reflexionar acerca de la realidad de nuestras ciudades y tomar acciones frente a ella.

BANKSY, SpY & BLEK LE RAT - Tres grandes para la ciudad lienzo

Por Gonzalo Díaz

Una "pincelada" de Banksy para una ciudad lienzo

Siguiendo la temática del post anterior que escribió Javier sobre los graffitis en Lima, en esta ocasión, quiero profundizar sobre las virtudes y efectos del Arte Urbano, a la cual pertenece el graffiti, siendo este su forma mas popularizada, por lo menos en nuestra ciudad.

En primer lugar, el arte urbano o street art no puede ser tildado de vandalismo, ya que es una forma de expresión que busca, de manera "ilegal", "hincar" y hacer ver al público en general las contradicciones e incongruencias de la ciudad "legal", ya sea en temas de política, economía, consumismo, control, imaginarios urbanos sin sentido, o cualquier defecto de la sociedad misma. Incluso también puede tener efectos positivos en el urbanismo, ya que, o bien puede embellecer un muro ciego que tanto abundan en nuestras ciudades o bien puede criticar inconscientemente defectos de las formas o elementos del espacio público (siendo una bofetada al urbanista).

Por otro lado, no se puede confundir lo que es un graffiti, un mural o un stencil con las llamadas "pintas", que no son mas que nombres (o garabatos) con fines egocéntricos y/o destructivos, hechos por pandillas, barristas, políticos o simplemente niños con ganas de hacer travesuras, sobre cualquier elemento de la ciudad. Estas pintas son "intervenciones" muy alejadas de lo que en sí busca la cultura del graffiti o de los fines constructivos del arte urbano en general.

Es así que en el contexto del arte urbano, la ciudad se convierte en un lienzo para ser intervenido. Y en el transcuro de las últimas décadas, muchos artistas han dejado sus huellas en varias ciudades lienzo del mundo, consiguiendo un prestigio e influencia similar a los "artistas de galerías". Así, entre los artistas callejeros destacados, estan Blek Le Rat(Francia), Shephard Fairey (EEUU), Banksy (Inglaterra) o SpY (España).

Proyecto "Obey Giant" (obedece al gigante) de Shepard Fairey en EEUU.

Muchos de estos grandes íconos han optado por el graffiti y/o el stencil como herramientas para impregnar sus obras en las paredes, como Blek Le Rat o Banksy, y otros como SpY simplemente hacen instalaciones o juegan con el mobiliario existente de la ciudad, interviniéndolo de diferentes maneras, y en todo los casos, manteniendo el anonimato de sus personas. A continuación un repaso por estos tres grandes héroes de la calle.

BLEK LE RAT - El padre del stencil

“Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la evolución del arte…”

Este es el manifiesto de Blek Le Rat, el padre del stencil, un arquitecto egresado de la Escuela de Bellas Artes de París. Tras un viaje a New York en 1971, Blek quedó impresionado por el fenómeno del graffiti en sus calles. Es así como Blek, tratando de encontrar un lenguaje mas adecuado para las calles de París, escoje el stencil como su técnica oficial (influenciado por el stencil propagandístico de Mussolini) y dotándole de gran popularidad.

El hombre y el consumismo publicitario

Las ratas en la gran ciudad. Imagen simbólica de Blek Le Rat

Sus obras callejeras empezarían a partir de 1981 y entre las cuales se encuentran imágenes de ratas (que serían su símbolo), ancianos, Rimbaud, la prinicesa Diana, soldados, etc. Su técnica y estilo influenciarían bastante al artista callejero Banksy. Blek Le Rat ha expuesto su obra tambien en museos, como el Georges Pompidou de París.

"El aporte de Le Rat es adaptar la técnica a la posmodernidad en una metrópolis que ha perdido su Belle Epoque, descifrando que cada ciudad tiene su propia piel. "

BANKSY - Amo y señor de las calles

Activista gráfico-callejero, el bandolero de las plantillas, el superhéroe del asfalto, el niño malo que pintó la caricatura de sus mayores en la pizarra urbana: el Fenomeno Banksy. A veces, tildado de vandalo o criminal por los mas puritas, o "esclavos" del capitalismo y del consumismo, sin embargo, sus obras son ejemplo de civismo, libertad y de pensamiento anticapitalista.

Banksy burlándose de los sistemas de control

Apelando al constraste extremo, Banksy es un experto en satirizar la sociedad tardocapitalista

Banksy, nacido en Bristol, iniciaría sus aventuras callejeras a mediados de los 90, y desde sus primeros años ha tenido mucho mayor repercusión que su "maestro" Blek Le Rat, por su aura de activista "de guante blanco", su satira finísima, sus obras limpias y meticulosas, su expresión y comunicación ilegal y libre. Su actividad ha influenciado ampliamente a los artistas del Graffiti y el Street Art. Para muchos de estos artistas callejeros Bansky es el ejemplo a seguir.

Irónicas versiones sobre algunos íconos del mundo pop, específicamente del cine.

Bansky recurre al contraste utilizando niños con personajes (o elementos) de nuestra degradada sociedad

Otros personajes conocidos son sus ratas como pequeños testigos de las imprudencias de la ciudad

Una de las cosas que admiro mucho de Bansky es la cualidad con la que su obra se relaciona con el entorno. Su obra no puede estar en cualquier lugar, esta en un lugar preciso ya que te dice muchas cosas en cuanto a la edificacion donde esta impregnada, a la calle que estas atravesando, a las personas que estas viendo a tu alrededor o al mobiliario que estas usando.

Banksy burlandose de mobiliarios y defectos de la ciudad.

Estupenda intervención en el muro de un hospital para enfermos sexuales

A comparación de Blek Le Rat, Bansky se ha expandido y se ha paseado por diversas ciudades a impregnar su obra, no solo de Europa sino tambien en EEUU y el Medio Oriente, como por ejemplo, sus intevenciones en el Muro de Cisjordania.

Intervenciones de Banksy en el Muro de Cisjordania

Los personajes mas simbólicos de la ciudad de Londres son satirizados por Banksy

Por último, Banksy tambien tiene la capacidad de transformar esas pintas callejeras de pandillas o de niños traviesos en intervenciones inteligentes, lúdicas, que siemplemente arrancan sonrisas a los transeúntes en vez del malestar que generaban inicialmente.

Intervención lúdica sobre pintas de terceros.

SpY - El espía detallista de las ciudades

"Mis intervenciones se desarrollan en la ciudad: es ahí donde nacen y viven, creando un diálogo con el receptor. Carece de sentido intentar emular eso en una galería."

Catalogado tambien como el Bansky español, este madrileño es un artista urbano cuyas primeras actuaciones urbanas se remontan a finales de los ochenta, cuando se dedicaba exclusivamente al graffiti. Poco después, comienza a explorar otras formas de comunicación artística en la calle.

El arte de SpY consiste en la reapropiación juguetona de elementos urbanos mediante la transformación o la réplica, el comentario sobre la realidad urbana y la intromisión en sus códigos comunicativos.. Su producción proviene de la observación del entorno, un sentido que ha afilado tras años de graffitero. Es cuidadoso con el contexto, y su actitud, constructiva, no invasiva".

"La ironía es una manera de hacer cómplice al receptor. Es como pequeños pellizcos de intención que detienen la rutina de urbanita."

Las obras de SpY quieren ser un paréntesis en la inercia autómata del urbanita. Cargados a partes iguales de ironía y un humor positivo, aparecen para contagiar una sonrisa, incitar una reflexión y favorecer una conciencia un poco más despierta.

Una de sus obras mas discutidas es su mofa sobre las estatuas de los heroes y personajes de la ciudad, que según SpY no son mas que caprichos de entidades gubernamentales o privadas. Viendo las siguientes fotos, no seria mala idea, hacer lo mismo sobre estatuas vergonsozas que encontramos en Lima y otras ciudades del Perú.

LIMA COMO LIENZO

GRAFFITIS PARA LA CIUDAD vs MAQUILLAJE PARA ELLOS Y ELLAS

Hace unos meses escribí a la revista "Caretas" mi opinión sobre un artículo que publicaron. Lo que sigue es la transcripción literal de la carta enviada a su correo electrónico:

Lima, 14 de Setiembre del 2009

He leído con preocupación el artículo "De las Pintas al Plomo" en Caretas 2095, donde se afirma que en el Callao los graffitis son punto de partida para el pandillaje.

Soy estudiante de Arquitectura de la UNI, y desde la Agrupacion CITIO-Ciudad Transdisciplinar realizo trabajos de intervención en el espacio público, en los cuales he compartido experiencias con graffiteros y muralistas de diversa procedencia, y debo decir que este artículo hace mucho daño a este arte emergente. Contra lo que allí se afirma, muchos de estos jóvenes han visto en este modo de expresión una manera productiva de alejarse del pandillaje y la drogadicción.

El orígen del problema en mención no está en los graffitis, sino en las raíces de nuestra sociedad. La solucion planteada en el Callao de borrar todos los graffitis (sin diferenciarlos de los Tags u otros) demuestra una total superficialidad en el modo de afrontar los problemas de la violencia urbana.

Si la ciudad fuera un lienzo, se teñiría de color y no de sangre. Con posibilidades de expresarse los jóvenes tendrían latas y brochas para pintar, no pistolas para silenciar. Serían ciudadanos y no un ladrillo mas en la pared.

Los limeños tenemos miedo cuando los jóvenes se expresan libremente (y en muchos casos poéticamente) sobre los muros que los encierran, pero cuando los politiqueros llenan de propaganda esos mismos muros con los que nos limitan, no decimos nada. Paseen un poco por la ciudad y miren las pintas que hacen los municipios, comparen con las de los graffiteros y/o muralistas, miren las reacciones de la gente. ¿Que es preferible?

Ya vienen las elecciones y veremos la ciudad llena de mensajes autoreferenciales, vacíos, mentirosos y estupidizantes. ¿Cuántos reportajes críticos harán sobre eso, señores de Caretas?

Javier Vera Cubas
DNI 41031041
A la semana siguiente publicaron mi carta, editada, con la respuesta que podemos ver aquí (Caretas 2096)

Cambiar una lata de pintura por un barrote ¿es una solución?

Encerrase en la computadora ¿es mas sano que llenar de colores la ciudad?

Sorprende el conservadurismo y espíritu represivo de este medio de comunicación supuestamente abierto y crítico. Opongamos a ello el pensamiento y sentir de "Mishap", gtaffitera peruana integrante del MaryPussy Crew, amigas nuestras con quienes realizamos los MicroFestivales "Estamos en la Calle" (ver posts anteriores).

"Este movimiento es una forma de expresión y un fenómeno social en las ciudades mas importantes del mundo, su vitalidad y rebeldía es un activo para la sociedad y no un problema. Cada forma nueva de expresion conlleva una crítica y un mecanismo de renovación y vitalidad para las sociedades. El graffiti es sin lugar a dudas una expresión de la vida contemporánea que debemos apreciar y promover, este movimiento hace mas fuerte a la sociedad y no la debilita. la energía juvenil que trastoca las formas tradicionales de comprender le mundo es nuestro principal valor social."

Integrantes de MaryPussy Crew con CITIO, bikers, raperos y hiphopers
en el 1er "Estamos en la Calle", hace unos meses en Huancayo

Y para retomar el tema editado en mi carta, sobre el arte de los graffiteros vs el "arte" de los politiqueros en los muros de nuestra ciudad, algunas imagenes...

Estas obras fueron hechas, seguramente, a escondidas de la autoridad, por temor a represalias pero con la astucia necesaria para no ser descubiertos. En la mayoría de casos, serán borradas a las semanas por alguna municipalidad, usando el dinero que todos los vecinos aportan. Por el contrario, las que siguen fueron hechas a plena luz del día, por las autoridades mismas, sin que nadie les diga nada, sin ninguna astucia porque los politicos que nos gobiernan no necesitan ese tipo de astucia ni inteligencia, simplemente hacen porque así ejercen su poder. Esas pintas se quedarán allí hasta que tengamos nuevas autoridades que vendrán a borrar todo lo que hicieron las anteriores, osea, un año.

Asi, con el mismo dinero que borran unas, pintan otras. A continuacion vemos un paisaje de la sierra del Perú (Huaraz), intervenido por un par de "artistas", cada uno a su manera. ¿Cual borrarían ustedes?
Esta es una de las incongruencias de nuestra sociedad, esa sociedad peruana que Caretas retrata tan bien en su suplemento "Ellos y Ellas"...

¿Terapia que intenta curar el autismo? ¿Lacra antigua? ¿Mejor expresarse por Internet? ¿Pena de cárcel?

por: Javier Vera

INGMAR BERGMAN: EL CINE Y LA COMPLEJIDAD HUMANA

Por Gonzalo Díaz

Hace mas de una semana proyectamos en el CineFAUA la película "El Septimo Sello", obra maestra del gran cineasta sueco Ingmar Bergman (1918-2007), y pieza fundamental en el devenir del cine. A Bergman se le considera el existencialista del cine, porque mas allá de ser cineasta, también podría ser tildado de filósofo o psicólogo, solo que en vez de utilizar lápiz y papel su herramienta es la cámara.

Ingmar Bergman (1918-2007)

El Septimo Sello (1956) es justamente un alegato a la muerte, y a la existencia humana misma, trata sobre un caballero medieval que combate a la muerte en persona, utilizando como campo de batalla nada menos que un tablero de ajedrez, en paralelo, suceden momentos de reflexión y de análisis frente a lo que se hizo o no se hizo en vida, y que al final mas vale olvidar, cuestionando además la existencia de Dios.

El tema de la vida y la muerte tambien es tocado en Fresas Salvajes (1957), donde se aborda la filosofía propia de la vejez (el sentido de la experiencia, la madurez y la vida), y posteriormente también en Gritos y Susurros (1972), donde la muerte es comprendida después del deceso, como una ausencia, o tal vez, como susurros que habitan un espacio.

Escenas de El Septimo Sello, Fresas Salvajes y Gritos y Susurros

Pero sería Persona (1966) el punto mas alto de la carrera del maestro, con un formato innovador y experimental. Esta cinta trata de los miedos versus el deseo de superación de su protagonista, encarnada por la actriz Liv Ullman, musa (y esposa) de Bergman, para lo cual éste hizo todo un trabajo con el espacio y de sensaciones con la luz, la proxémica(1) y el vacío.

Escena en primer plano de Persona (1966), obra hito del cine.

Existen muchas otras obras magníficas del director (El Silencio, Los Comulgantes, La Pasión de Ana, Secretos de un Matrimonio, Fanny y Alexander, etc) pero ahora lo que queremos rescatar es la capacidad del director para analizar la complejidad humana y traspasarlo a sus películas. Y es pues, esta cualidad de filósofo y psicólogo lo que ha convertido a Bergman en una de las figuras mas trascedentales del cine, impregnándole un transfondo existencialista, muy humano, e influenciando a posteriores directores de primera.

El Silencio, Los Comulgantes, La Pasion de Ana, Secretos de un Matrimonio y Fanny y Alexander.

Haciendo un paralelo con la arquitectura, Bergman estudió la condición humana a fondo para hacer cine. En la arquitectura pasa al revés; el arquitecto en nuestra ciudad hace arquitectura sin pasar por un estudio convincente de la condición humana, ni por una búsqueda de necesidades o de superación de las personas, o por lo menos, un intento de rescatar la memoria de la gente.

Si observamos nuestra ciudad, los susurros de las muertes heroicas del pasado se desvanecen con obras espectaculares en su lugar, el exceso y afán de edificios multifamiliares en la ciudad descarta las posibilidades de equipamientos y espacios públicos como condición humana primordial del habitar, las áreas verdes son limitadas, e incluso mutiladas, favoreciendo a la "muerte de la ciudad", incluso, no se favorecen otras condiciones como la apropiación del habitat, la participación en ella, y la libertad misma .

Por otro lado, los miedos (y deseos de superación) de la ciudad son representados por las rejas, pero no son tratados por los arquitectos a traves del espacio, la luz, la proxemica y el vacío. Si hoy en día las rejas y los muros son los símbolos de Lima, entonces para que están los arquitectos?

Para ser arquitecto hoy en día, pienso que sería necesario ser, por un momento, Ingmar Bergman; pensar sobre la gente y sus condiciones, antes que de sí mismos, sino seremos simples directores, sin pensar sus obras en medio del ajetreo diario, o en busca de dinero y fama, como los directores del "mainstream". Y si esto sucede, simplemente estaríamos favoreciendo a la muerte de nuestras ciudades.

La muerte jugando ajedrez con la vida (El Septimo Sello)La muerte jugando ajedrez con la vida en nuestra ciudad? (Lima)

"No hay ningun arte que pase por nuestra conciencia como el cine, para luego dirigirse directamente a nuestros sentimientos, a las profundas habitaciones oscuras de nuestra alma" - I.Bergman

(1) Proxémica: Se refiere a las distancias medibles entre las personas mientras estas interactúan entre sí.

Edward T.Hall (1953)

LA CIUDAD - ANTICUCHO. Reflexiones sobre el Atelier de la Carne

por Javier Vera

Nuestros amigos Jimmy Baltazar y Carlos De Paz dirigen, desde hace ya algunos años, el Atelier de la Carne, una "exploración metasensible de la ciudad de tu cuerpo". Los invitamos a irrumpir con este taller en los Viernes Culturales que organizamos en la FAUA-UNI, lo cual hicieron gustosamente. Tras una primera sesión que cautivó al público, regresaron a la semana siguiente. Hace unos días Jimmy me envió un correo personal (ver notal al final) pidiendo mi opinión crítica sobre esta experiencia, de la que fui parte. Me lo pidió de todo corazón, asi que esta fue mi respuesta, de todo corazón:

LA CIUDAD - ANTICUCHO

ATELIER DE LA CARNE: ENTENDIENDO LA ARQUITECTURA CON EL CORAZON
¿Es posible pensar Lima?
Le Corbusier, el orden, las combis asesinas, las obras municipales, los malabaristas, Ludeña, los cerros, el caos, el cielo sin estrellas...
¿Es posible no sentir Lima?

Yo siempre pienso, ese es mi problema, porque, ahora lo sé, la razón es un estorbo, una carga pesada. Llevo mucho tiempo tratando de derribar la dictadura de mi cerebro en mis actos. Tú siempre dices que mis propuestas son demasiado racionales, y creo que tienes razón. En todo caso, cada uno de nosotros, los jóvenes que estamos diciendo y haciendo cosas sobre Lima, va tomando su lugar, como conformando un equipo. Uno trata de llenar un vacío: yo pienso que falta critica, cultura y seriedad, por eso hago las cosas como las hago en este contexto. Tú sientes que nos falta sensibilidad, y por eso haces los que haces y como lo haces. Yo también pienso que nos falta sensibilidad, pero el Atelier de la Carne ya está encargado de esa tarea, así que cada uno a lo suyo. Ambos flancos no son opuestos, se complementan, por eso siempre los llamamos a sumarse a nuestras iniciativas. Yo quiero provocar las mentes, ustedes quieren tocar el culo… son solo distintas maneras de generar una reacción para que esta ciudad sea un mejor lugar para vivir.

Tú, que eres un hombre inteligente, haz sabido librarte del peso de lo racional, y siendo además un artista de nacimiento, eres hipersensible. Pero la arquitectura son piedras y las piedras no sienten, nos dirían nuestros profesores (que nos tienen 10 años haciendo cosas de cartón diciéndonos que eso son casas). Lejos de la universidad aprendemos que la arquitectura no son solo las piedras, sino también los movedores de piedras, los que tiran la piedra. Los limeños saben tirar sus piedras… eso está claro: la ciudad es la materia construida que nos envuelve y la vida de la gente ahí. Según Heidegger: ser-ahí, ser-en-el-mundo, estar-ahi.

La ciudad no es solo construirla, es sobre todo HABITARLA

Nuestro cartón de Arquitectos dice en sello de agua: “las piedras no sienten”. Pero con el Atelier de la Carne van mas allá de la idea aclarada hace un momento de que la ciudad son las piedras y los movedores de piedras, dicen que nosotros también somos piedras, que no solo las movemos o las tiramos, sino que somos piedras. Podemos apilarnos y hacer muros, nos pueden mover, nos pueden tirar (eso es lo que quieres siempre, pendejo: tirar y tirar, y no esconder la mano). El Atelier de la Carne dice que los ciudadanos somos piedras hechas de carne. Carne sensible y sangrante.

La tesis es buena: somos piedras con corazón, podemos construir siendo ladrillos pero nuestra tierra siente porque es roja y esta húmeda. Los hombres construyen esta ciudad piedra sobre piedra y así produce sudor, y ese sudor produce excitación, asco, resfríos, x cosas. Cada ladrillo no es otro ladrillo más en la pared, visto de esta manera cada ladrillo es una sensación nueva. Somos un edificio en movimiento, carne sobre carne.

Cada vez que he participado en una de las dinámicas que dirigen, que han sido pocas pero que he disfrutado (y me he reído con los comentarios de las fotos del facebook), he terminado preguntándome: ¿qué pasa si en vez de estar tirados simplemente como un montón de mondongos, nos ponemos de acuerdo, confiamos, cooperamos. La carne confiando en la carne, hacernos un solo cuerpo, ser un Frankenstein cholo. Lima es un Frankenstein hecho con anticuchos humanos atravesados con fierros de construcción a punto de oxidarse.

El Atelier de la Carne no explica pero deja muy clara la relación ciudad-ciudadanía de la que tanto hablamos: participa, actúa, confía, se tu mismo parte de la estructura, exígele al otro que te cuide, no tengas vergüenza, sal a la calle, desnúdate, tócame, trépate, respira-y-siente-el-espacio, habita.

Pero ¿somos solo carne sensible? Estas piedras acaso no piensan también para auto-conformar sus estructuras caníbales? Creo que hay que modular y equilibrar, no negar totalmente el pensar también innato del hombre. El énfasis propagandístico del proyecto está en la mera carne, en la mera sexualidad roja y húmeda que los estudiantes de arquitectura, condenados al encierro, el estrés y la angustia, anhelan. Esa propaganda, y lo difuso de los límites entre la chacota y el subtexto de la propuesta, la banalizan, y creo que así pierde un poco del tremendo potencial que tiene. No sé que tanto la gente termine con claridad de que ha hecho arquitectura, y no solo un taller de integración o meditación o relajación.

Pero eso se puede y debe pulir, esto es un punto de partida. La escuela de la sensibilidad es algo inédito y de hecho es difícil dirigirla. La ciudad necesita estos ejercicios.

Cuando los arquitectos perdamos el miedo de salir calatos a la calle, esta ciudad será mejor. Cuando aprendamos a comer anticuchos en Quilca, con la gente, esta ciudad será mejor. Cuando nos dejemos atravesar por lo que sucede a nuestro alrededor, esta ciudad será mejor. Cuando el mejor premio no sea ganarle al otro, sino poder tocarlo, esta ciudad será mejor

Y cuando esta ciudad sea mejor, nosotros, la carne que la compone, seremos más felices, celebraremos con chelas y anticucho de luca, y nos revolcaremos en la calle, haremos piruetas y quizás hasta pirámides humanas, y no será necesario que el Atelier de la Carne dirija nuestros movimientos con un micrófono, ni con dos.

Creo que la labor de todo arquitecto, hoy, es conducir su propia desaparición.

La carne nunca dejara de sentir…
Pero cuando La Carne no necesite otra voz, estará además pensando.

Entonces, ya no serás necesario
y el Atelier de la Carne habrá triunfado,
habrá trascendido
dejando trozos de carne gimiendo por todos lados
como un crimen maravilloso

Nota:
Este articulo es la publicacion literal de una correspondencia personal entre Jimmy y yo, que creí conveniente publicar debido a que considero que, en el contexto actual, en que surgen muchos colectivos con propuestas innovadoras, es importante no solo destacar al Atelier de la Carne como una de las mas resaltantes, sino tambien colaborar con ellos con criticas constructivas para el crecimiento de su propuesta, aportando asi al debate público sobre arquitectura. Agradezco a Jimmy el permiso otorgado para convertir esto en algo abierto.

secuencia y edicion de fotos: Javier Vera
fotos del Taller: Gonzalo Díaz
otras fotos: archivo CITIO

WERNER HERZOG: VIDA Y OBRA - OBRA Y VIDA COMO MUTUA CANIBALIZACION

Introducción a la película Fitzcarraldo, Cine Faua 13.11.09
Por Javier Vera

Werner Herzog (1942) no dirige películas… monta aventuras, hace que sus historias sucedan de verdad. Su vida es su obra y su obra es su vida.

Un grupo de personas realmente se pierde en la selva. Un barco realmente sube y baja por la montaña. Y con música clásica de fondo desde un parlante de verdad!

Acá siempre decimos que la mejor manera de aprender arquitectura es viviendo un montón de cosas. Salir de las 4 paredes de las aulas universitarias para mirar y tocar de todo. Por eso Herzog es preciso para el CineFaua, porque es un autodidacta que recomienda a los estudiantes de cine que antes de tomar una cámara deben caminar por lo menos mil kilómetros. ¿Cuántas calles debemos recorrer antes de dibujar un edificio?

Hay pasajes muy interesantes en la biografía de Herzog que lo retratan muy claramente. Aquí solo mencionare un par, pero su vida está llena de historias apasionantes:

Un buen amigo suyo tenía un gran proyecto para una película que nunca concretaba aduciendo que no tenia plata. El, molesto con tal desperdicio de talento, lo reta: “el dinero no hace películas, solo hazla, toma la iniciativa… me comeré mi zapato si acabas tu película”. Y el amigo hizo caso al maestro: si entran a youtube y buscan, encontraran el video de Herzog en un restaurante con un mozo detrás sirviéndole vino mientras el devora muy educadamente su zapato de cuero, pedacito a pedacito, mientras habla sobre su obra y su vida, o sobre su vida y su obra, que es lo mismo.

A los 32 años se entera que una vieja amiga, madrina del cine alemán, agonizaba en Paris. Entristecido y preocupado, decide ir caminando hasta allá, ¡desde Munich!, a modo de penitencia. Al llegar la consoló y la cuidó, y la señora vivió 10 años más.

Ese viaje fue uno de muchos en su vida, que había comenzado en un pueblito perdido entre las montañas de Bavaria, virgen de civilización. Recién a los 11 años descubrió el cine, cuando un proyectorista ambulante llegó a su pueblo y exhibió documentales didácticos, episodios de Tarzán e historias de Fu-Manchú. Desde allí no paro de recorrer el mundo, caminando y mirando. Mirando y filmando.

El mito en torno a su figura, del que esta caminata Munich-París es sólo una faceta, nos habla de genio extravagante, del aire aventurero y semi-suicida que marcó a varias de sus películas, y de la enfermiza relación que mantuvo con el actor Klaus Kinski, esta ultima retratada en "Mi enemigo intimo", un documental sobre un loco que se puso a trabajar con un locazo.

Kinski se peleaba con todos, tenia ataques de rabieta que duraban horas, abandonaba las producciones en plena grabación, se enfrentaba al publico… los extras de la película que veremos hoy planeaban matarlo… pero Herzog supo sacar lo mejor de el con una inteligencia, una sensibilidad y una capacidad de convencimiento fascinantes.

El poder de la naturaleza frente a los delirios de grandeza del hombre, las pasiones humanas enfrentadas a la fatalidad, el absurdo y la autodestrucción, la tragedia, la soledad y la alienación.. son algunos de los temas que trata en “Fitzcarraldo” y otras películas de mirada obligatoria como “Aguirre, la ira de Dios" (la aventura de Lope de Aguirre, soldado español que se rebela al rey y se adentra en la selva peruana en búsqueda de El Dorado), "El enigma de Kaspar Hausser" (basada en la historia real de un hombre que vivió encerrado en una cueva hasta los 17 años, totalmente aislado y sin utilizar jamás el lenguaje, que un día sale y se convierte en la curiosidad social y científica de su época) y "Los enanos también empezaron pequeños" (una metáfora sobre la condición humana, el control y la rebelión, la crueldad y la degradación, en la que todos los protagonistas son enanos enfrentados a un mundo de “grandes”)

Para Herzog el cine (como para nosotros la arquitectura) comienza en el paisaje visto desde la visión del caminante. A eso hay que asociar un ritmo, una respiración, incluso un cansancio, para obtener una resultante particular: la educación de la mirada como experiencia física. Porque la arquitectura no solo se mira, también se toca, se vive.

Ahora disfruten la película. Miren, sientan, aprendan, y déjense embargar por lo que Herzog llamo “el éxtasis de la verdad”.

DERIVAS DEL ANDAR - SALIR MIRAR Y SER MIRADO

DERIVAS DEL ANDAR

Esta muestra audiovisual en la Mediateca del Centro Fundación Telefonica, iniciada el 10 de Noviembre y que durará hasta el 23 de Diciembre, busca analizar las distintas experiencias ejecutadas en el espacio público limeño, desde las primeras vanguardias locales hasta el desarrollo cultural de la década del 2000, cuando diferentes profesionales intervienen el espacio publico buscando como objetivo primordial hacer participar al otro.

Esta exploración del espacio publico ha permitido cruzar informacion y experiencias con distintos profesionales como artistas plasticos, actores, bailarines, arquitectos, sociologos, antropologos, historiadores, literatos, musicos, ingenieros de sonido, circo, etc.

En esta muestra participan Giusseppe de Bernardi, La Perrera, Jorge Chamorro, Ricardo Delgado, Christians Luna, y nosotros, CITIO. Todos bajo la curadoría de Christians Luna.

SALIR, MIRAR Y SER MIRADO

En paralelo a la muestra audiovisual, se realizó la conferencia "Salir, Mirar y Ser Mirado" el Jueves 19 de Noviembre a las 7pm en la misma Telefonica. El concepto tematico venia dado por los nuevos habitos del espacio publico, y es así, que participaron Augusto del Valle, Christians Luna y Javier Vera, representando a CITIO.

Christians Luna, Augusto del Valle y Javier Vera
Sala de conferencias del Centro Fundacion Telefonica

Conversando sobre el espacio público en Lima y sus problemas.

Texto Derivas: Christians Luna

Texto S,M y SM: Gonzalo Díaz

Fotos: Gonzalo Díaz

FIESTA COMUNITARIA POR EL DIA DE LOS MUERTOS

Atardecer en el Cementerio de La Balanza, foto por Walter Domínguez

El pasado 1 de Noviembre de este año se realizó la Fiesta Comunitaria por el Dia de los Muertos en el cementerio de La Balanza, Comas. Esta fiesta busca resaltar, a través de intervenciones de diversa índole, las bondades que ofrece esta fecha conmemorativa donde todas las familias se reúnen para encontrarse con sus difuntos, sus costumbres y su memoria.

Antes de hablar de la fiesta propiamente dicha, primero vamos a hablar de las características de un cementerio informal (o popular), y luego, de los fenómenos que surgen en este día tan especial, ya sean costumbres e imaginarios traídos por los migrantes andinos asi como toda la dinamica ambulatoria que surge alrededor.

1. El lugar

La Cruz de Piedra

El Cementerio de La Balanza, como todo cementerio popular o informal, ha sido autoconstruido por los primeros migrantes que llegaron a la zona. El lugar escogido tiene las siguientes caracteristicas (1):

- Ser aledaña a la zona donde habitan los vivos para mantener una conexion mutua entre muertos y vivos. No existen temores de vivir al costado del cementerio, al contrario se cree que los muertos cuidan a los vivos.

- Estar en un lugar "abrazado" por cerros, al igual que la ciudad viva misma, se busca la proteccion de los "Apus". Esta característica hace que la entrada sea una sola, y de gran protagonismo.

- En cada cementerio existe una calle principal que la atraviesa, además de un espacio protagónico, amplio y abierto para realizar ceremonias.

- En la zona mas visible de esta calle hay una cruz que además de dar la bienvenida al cementerio, sirve para las oraciones respectivas.

- En el caso del cementerio de La Balanza, debido a su privilegiada ubicación, se puede apreciar el mar del Callao y Ventanilla.

Luego el cementerio fue creciendo, al igual que la ciudad, y varias tumbas se convirtieron en mausoleos (tumbas de varios pisos para un mayor número de muertos, pertencientes generalmente a una misma familia). El proceso contructivo con material noble y la estética inacaba de las casas (con los fierros al aire) se repite tal cual en la ciudad de los muertos, además del uso, a veces excesivo, de las rejas, ya sea por temor a que se roben las flores, los obsequios, los materiales o incluso al mismo muerto.

Otro rasgo particular es la pintura celeste que se hecha alrededor de las tumbas (sobretodo en las mas precarias), simbolizando una relación directa con el cielo.

Por último, varias de las tumbas cuentan con un pequeño espacio público, que sirve para el estar y compartir de la familia en sus visitas, sobretodo en el Día de los Muertos.

2. El dia

Familia unida conmemorado a su muerto, foto por Walter Fernández

El Día de los Muertos es la conmeración tradicional que rinde tributo a los muertos segun la costumbre andina. Esta tradición viene desde muchos años atras, y hasta hoy en día, toda la familia viene a visitar y celebrar a sus muertos, trayendo flores, regalos, musica, etc. Estas familias son capaces de pasar todo el dia en el cementerio, con diferentes actividades.

Entrada al Cementerio de La Balanza, en el dia de los muertos

A diferencia de los cementerios privados (Jardines de La Paz, Campo Fe) o del Estado (Presbítero Maestro, El Angel), los cementerios populares no muestran tranquilidad y gente llorando, sino gente alegre, festejando, cantando, tocando instrumentos, "chupando".

Y además de los familiares, el lugar atrae toda una serie de ambulantes, artistas, retratistas "al instante", fotógrafos, músicos y orquestas, juegos infantiles, etc. Por ejemplo, en esta fechas hemos podido observar ambulantes del pan "huahua", de flores, de comidas, cruces, accesorios, juguetes, llaveros, discos, etc, como veremos en las siguientes fotos:

Ambulantes vendiendo "huahuas", símbolo de la unión familiar,

Se venden todo tipo de accesorios para su muertito, como estas cruces artesanales.

Juguetes para que no se aburran los niños

La venta de cerveza es indispensable. A celebrar!!

"Traiga la foto de su muerto, y le hacemos un retrato al instante.. sino tambien a ud!"

Cds para escucha la mejor música desde cumbia hasta "thriller" y las de "enigma"

3. La intervención

Vista nocturna del Cementerio de La Balanza.

La Fiesta Comunitaria por el Día de los Muertos es una conmemoración a muchas cosas: al día de los muertos como expresión y herencia cultural, a la integración que este hecho produce en la comunidad, y a la memoria colectiva. Esta conmemoración se efectuó por medio de actos teatrales, conciertos, rituales, recitales, danzas, recorridos, etc, dándole un sentido diverso y multicolor a la fiesta, la cual fue registrado por diversas organizaciones dedicadas a la fotogafía como El Centro de La Imagen, Lima Foto Libre, Colectivo Zoom, Validarte, además de fotógrafos aficionados.

Para esta fiesta se contó con la intevención de diversos artistas y organizaciones culturales: La Gran Marcha de los Muñecones (con su acto "Las Calacas"), Pachacamac, Colectivo Pista Nueva, Colectivo Madre Tierra, Funerales de Vida, El Atelier de la Carne, Supay, Estirpe Teatro, Tárbol, Félix Méndez, El Medio de la Nada, entre otros, además de los vecinos del barrio San Francisco.

En medio de las presentaciones, los visitantes, trayendo de antemano sus velas y siguiendo con la tradición del cementerio, colaboraron con la iluminación colectiva del espacio, con una puesta simbólica de velas (intervención "Luz Que Nos Reune"). El registro del evento será expuesto, a través del proyecto MiraFoto del Centro de la Imagen, en una exposición itinerante en diferentes barrios de La Balanza.

Grupo Pachacamac en concierto en pleno cementerio

Canto a los muertos, atardecer en el cementerio

Puesta de velas
La muerte acecha .. y baila!
Danza mortal

Cruz y velas

Canto a la Luna con el Atelier de la Carne

Texto: Gonzalo Díaz

Fotos: Gonzalo Díaz, salvo las especificadas

(1) Gracias a la tesis "Necrópolis Informales" del Arq. Jimmy Baltazar expuesta en el auditorio FAUA

FUTBOL EN CALLES ABIERTAS - LA BALANZA

Futbol con valores para la integración de los barrios

Futbol con valores, un gol de todo el barrio!

El pasado domingo 25 de Octubre se llevó a cabo el 1er FESTIVAL DE FUTBOL EN CALLES ABIERTAS, en la canchita del A.H. San Francisco, La Balanza-Comas, donde participaron varios equipos de niños, niñas, jóvenes y adultos de los diversos barrios de la zona.

El evento fue co-organizado por diversos grupos e instituciones:

- Los vecinos de San Francisco, quienes jugaron de locales y que, como buenos anfitriones, recibieron cordialmente a los amigos de los otros asentamientos: San Francisco, Monte Calvario, Madrigal y Saldaña, quienes participaron con mas de un equipo cada uno.

- La Comunidad Fiteca, que de esta manera prosigue con las actividades culturales comunales en el Barrio.

- La ONG Deporte y Vida, principales impulsores del futbol callejero, contribuyeron con materiales y mediadores capacitados, animaron los descansos con pequeñas clases de malabarismo, y otorgaron los premios al finalizar la jornada.

- La Fundación Tierra de Hombres y el Comité Cultural del 1er Congreso Mundial de Justicia Juvenil Restaurativa (realizado en la PUCP la semana pasada –ver próximo post en este blog) quienes apoyaron logística y económicamente al evento como parte de las actividades Pre-Congreso que realizaron en Comas y El Agustino

- Y nosotros, que desde CITIO promovemos actividades como esta, en las que se trabajan diversos modos de re-apropiacion del espacio público. Esto nos ha llevado a integrar la Comunidad Fiteca, el Comite Cultural del 1CMJJR y la Red Nacional de Futbol Callejero. Asi, nuestro aporte es el de integrar las diversas iniciativas en una sola actividad, funcionando como un puente para el trabajo transdisciplinar sobre la ciudad y con la ciudadania.

Como vemos, el objetivo de los Campeonatos de Futbol de Valores no es simplemente jugar futbol, sino también integrar a los diferentes barrios vecinos, y aprender a convivir con valores para formar una sociedad mejor. Al ser el fútbol callejero una actividad grupal donde se relacionan diferentes personas en la calle, es también una oportunidad para poner a prueba nuestras formas de actuar y cooperar, nuestros principios, modales, sensibilidades e impulsos, y no solo entre jugadores, sino también de los "barristas" y de todos los involucrados en las diversas actividades que se generan a partir de esto.

Trazando la cancha

Colgando el afiche

Lecciones de fútbol... y de valores!

El turno de los chicos

Cañonazo!

Vista de la canchita San Francisco

El turno de las niñas

Mete Gol Tapa

La voz de las minilocutoras

El turno de los grandes del barrio

Y no podían faltar sus respectivas "barras".

El grupo Deporte y Vida y los chicos de San Francisco.

Terminada la jornada, se otorgaron los premios respectivos (camisetas, shorts, pelotas), y se paso a la proyección de videos e imágenes de las diferentes actividades hechas en este barrio (Encuentros de la Memoria, Domingos Comunitarios, Teatro, etc), como preámbulo a lo que vendría el siguiente domingo: La Fiesta Comunitaria por el Día de los Muertos.

Colgando la pantalla para la proyección post-fútbol

Y para cerrar el día: proyección nocturna en la canchita, con imágenes y videos
de la comunidad, un previo a la Fiesta Comunitaria de los Muertos.*

Tras el éxito de esta actividad y la comprobación de la importancia de los campeonatos de fulbito en espacios barriales, cabe reflexionar sobre un fenómeno que se viene dando en Lima: La ciudad está dejando de construir canchitas donde se tejían historias de barrio, a cambio, los inversionistas privados construyen las famosas canchas de grass artificial, aisladas del entorno (muchas veces dentro de edificios) y encerradas en rejas o mallas, en las que solo puedes quedarte el tiempo que tus bolsillos te permitan pagar.

Para quienes no pueden pagar y no tienen una canchita cerca de su casa, siempre habrá una pista libre para jugar, pero esta negación radical del espacio público recreativo está muy lejos de ser lo mejor para nuestros niños y jóvenes.

Estén atentos al próximo campeonato!

Texto: Javier Vera / Gonzalo Diaz
Fotos : Gonzalo Díaz

*Foto : Guillermo Quiroz

RECORRIDOS URBANOS: SAN COSME - LA BALANZA - CENTRO DE LIMA

Por las estrechas calles de San Cosme.

El pasado Lunes 12 de Octubre, se llevaron a acabo los "Recorridos Urbanos Lima 70%", organizado por las agrupaciones de la REDAA. La actividad se dió en ocasión a la estadía de los estudiantes extranjeros de arquitectura, quienes vinieron para el ELEA Norte (Trujillo-Peru). Aprovechando su paso por Lima (para regresar a sus países de origen), y con previa publicidad en el mismo ELEA, se hizo esta actividad para mostrar algunos de los barrios mas simbólicos de la ciudad. A los recorridos se sumaron estudiantes de las facultades de arquitectura de Lima, y diversas personas interesadas en conocer mas sobre nuestra ciudad. Además se contó con la participación especial del arquitecto Juan Tokeshi.

Con el fin de ver la diferentes caras de la ciudad, y aprovechando conocer las zonas de trabajo de de las agrupaciones de la REDAA, hicimos un recorrido por las siguientes zonas:

San Cosme - Uno de los primeros asentamientos de la ciudad (años 40), el cual pasó por un proceso de invasión violenta (sin el apoyo del Estado), y que sin embargo, hoy en día, es un barrio consolidado. Además, varios de sus vecinos, han sido partícipes en el impulso y desarrollo del mercado "La Parada", los mercados Mayorista y Minorista de Lima, y el "emporio" comercial Gamarra; tres de los epicentros comerciales mas significativos de nuestra ciudad. Para este barrio, la agrupacion guía fue Evo(i)lusion, quienes trabajan proyectos en esta zona desde hace ya un tiempo.

La Balanza - Este barrio ubicado en el distrito de Comas, en Lima Norte, fue una de las invasiones posteriores (años 60). Su proceso de habilitación fue menos problemática, pero igual de extensa. Su consolidación a demostrado el nivel de organización y cooperación de sus vecinos, quienes hasta ahora siguen dando ejemplos de desarrollo. El mejor ejemplo en la actualidad es el FITECA (Fiesta internacional de teatro en calles abiertas), el cual es autogestionado por los mismos vecinos, y que además es un modelo de como una iniciativa artístico-cultural puede impulsar el desarrollo socio-económico de un barrio. En este barrio, los guías fuimos la agrupación CITI(), quienes venimos trabajando en esta zona desde hace ya tres años (ver post del FITECA al FITEKANTROPUS).

El Centro Histórico de Lima - Por útimo, no pudimos dejar de lado nuestro centro histórico, siendo en comparación de la zonas anteriores, el lugar de mayor turismo. Para ello, subimos al cerro San Cristobal (ya casi de noche) para poder apreciar la ciudad "desde arriba", y luego hicimos un recorrido por sus plazas (Plaza De Armas y San Martín) y por el jr. del a Unión, para terminar el día con una emotiva cena en el Hotel Bolívar.

Los recorridos urbanos continuaron el martes 13 por el barrio El Brillante (Pamplona), la universidad Ricardo Palma y el distrito de Miraflores, siendo los encargados de esta fecha la agrupación El Cartón, a quienes agradecemos por la publicidad y la logística del evento.

Comenzando el recorrido por las zigzageantes callejuelas de San Cosme.

San Cosme, barrio simbolico de las primeras migraciones en nuestra ciudad.

Atravesando el Mercado Mayorista, limite de El Agustino con La Victoria.

En el emporio comercial Gamarra, La Victoria.

Subiendo por las escalinatas de San Cosme.

Plataforma del Colegio de San Cosme, en la parte mas alta del cerro.

En el barrio de San Francisco en La Balanza, Comas.

Atravesando los Cerros de La Balanza.

Tito, guía y conocedor del barrio del FITECA.

VIDEO DEL RECORRIDO:

http://vimeo.com/7084773

Texto y Fotos: Gonzalo Díaz

Video: [L.IMA]ruitectonica

FRANCIA 58-68: TRES MOVIMIENTOS

Introducción de la película Bande A Part, miércoles 7 de Octubre, CINEFAUA

Por Gonzalo Díaz

La Nouvelle Vague

Fue un movimiento de cineastas franceses que comenzaron siendo críticos y escritores de la revista especializada “Cahiers du Cinema", fundada en 1951 por Andre Bazin. El movimiento se inicia en 1958 cuando varios de estos directores hacen sus óperas primas como Francois Truffaut con “Los 400 Golpes” y Alain Resnais con “Hiroshima Mon Amour”, ambas estrenadas luego en 1959 y ganadoras de varios premios en el Festival de Cannes de ese año.

Pero además de ellos también encontramos a otros cineastas de gran nivel como Eric Rohmer, Claude Chabrol, Jean Pierre Melville, Louis Malle y el que se considera el más radical y experimental del grupo, y en general, uno de los grandes maestros del cine: Jean Luc Godard.

Jean Luc Godard, el "niño terrible" de la nouvelle vague

Las peliculas de la Nouvelle Vague tienen las siguientes influencias:

- Del Neorrealismo Italiano, el retrato de la realidad de forma verosímil y los temas morales.
- Del Situacionismo, la importancia de lo cotidiano, en contra de lo espectacular,
y además, la creación de situaciones y secuencias con derivas urbanas.
- De Orson Welles, el juego con los montajes y las tomas en exteriores naturales.
- Del Lenguaje Televisivo, la cámara en mano y la voz narrativa en off
- Del Jazz, la improvisación: no habia un guión, solo ideas y los actores tenían que improvisar

En los filmes de la Nouvelle Vague se aprecia la Creación de Situaciones,
como el baile de Bande A Part. Tarantino le rinde tributo a esta escena en su film Pulp Fiction.

Todos estos "nuevos trucos" se convertían en sugerentes conceptualizaciones teóricas surgidas por haberse convertido en verdaderos cinéfilos, a base de haber absorbido innumerables películas en la Cinemateca del Barrio Latino de París. Las innovaciones técnicas y los bajos costos de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente.

El gran teórico de la Nouvelle Vague sería François Trufaut quien arremete contra el “cinéma de qualité” francés y su pretendido realismo. Además, protesta contra la abrumadora dominación literaria del ciné en general, que es más un cine de guionistas que de realizadores. Es así que propone La Teoría de Autor: “El cineasta es su propio guionista y su propio productor.” El único responsable de una película es el director, éste tenía que encontrarse creativamente por encima de todo. Según Truffaut: "si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara".

Francois Truffaut (1931-1984)

Director y crítico esencial de la Nouvelle Vague, creador de la "Teoria de Autor"

Para finalizar, la contribución de la Nouvelle Vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico, redescubriendo la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso, que ya mencionamos anteriormente, y por otro lado, incentiva la libertad de expresión y un espiritu lúdico, como se puede apreciar en Band A Part, una de las obras maestras de Jean Luc Godard, realizada en 1964.

El Situacionismo

La Internacional Situcionista, liderados por Guy Debord (al centro)

La Internacional Situacionista constituyó entre 1957 y 1972 un grupo de filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos que desde diversas perspectivas y con diversas técnicas, plantearon el interrogante sobre el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo de postguerra. El autoproclamado líder del movimiento situacionista fue el controvertido escritor y cineasta Guy Debord.

Desde una perspectiva radicalmente crítica e inconformista, cuestionaron el orden social a través de libros, proyectos arquitectónicos, collages y películas que invitaban a subvertir el orden establecido. Influenciados por el Movimiento Letrista, la Bauhaus y el grupo Cobra, proponen una conexión entre filosofía, arquitectura y cultura artística. Su proyecto más ambicioso y más conocido es la Nueva Babilonia, la ciudad nómada de Constant Nieuwenhuys .

Guy Debord, escritor y cineasta, fue además, el ideólogo del mayo francés.

En 1967 Guy Debord publica "La sociedad del espectáculo" que resume varias de las ideas fundamentales del movimiento. La idea esencial es la falsedad de la sociedad de consumo. "Nuestra sociedad es un puro espectáculo, es decir, apariencia. Los situacionistas proponen rebelarse contra esta sociedad de la apariencia y rechazar sus valores establecidos que nos impiden vivir una vida auténtica. Es una lucha contra el consumismo y las seducciones engañosas." Ante la falsa realidad del espectáculo reivindican el valor de la propia vida y la toma de las propias decisiones.

Para comprender el legado teórico de la internacional situacionista es necesario familiarizarse con algunos conceptos de uso tanto en el arte y la arquitectura como en la politica revolucionaria y en la vida diaria o en todo esto al mismo tiempo:

1) La Creación de Situaciones alude a una situación construida como un momento de la vida construido concreta y deliberadamente para la organización colectiva de un ambiente unitario y de un juego de acontecimientos, es decir tanto la realidad como los acontecimientos son fruto de una construcción previa minuciosamente preparada por poderes fácticos y no legitimada por los medios de comunicación que juegan un papel fundamental en la creación de acontecimientos .

2) El Detournement habla sobre la posibilidad artística y política de tomar algún objeto creado por el capitalismo y el sistema politico hegemónico y distorsionar su significado y uso original para producir un efecto crítico.

3) La Recuperación habla sobre la posibilidad siempre presente de que ideas y cosas revolucionarias o radicales puedan ser incorporados a las lógicas dominantes por medio de la comodificación o la mera exposición vaciada de contenido.

4) La Deriva propone una reflexión a las formas de ver y experimentar la vida urbana dentro de la propuesta más amplia de la psicogeografia. Así en vez de ser prisioneros a una rutina diaria, se planteaba seguir las emociones y mirar a las situaciones urbanas en una forma nueva radical.

5) En la Psicogeografia se pretende entender los efectos y las formas del ambiente geográfico en las emociones y el comportamiento de las personas.

6) Por último, el Urbanismo Unitario, propone que la percepción del usuario constituye la concepción de la ciudad, se basa en la experimentación propia...una experiencia autobiográfica.

Personajes atravesando el Museo Louvre a manera de Deriva en el film Bande A Part,

un ejemplo de la influencia del Situacionismo en la Nouvelle Vague.

En conclusión, la utopía situacionista consiste en pretender la creación situaciones nuevas que subviertan el orden establecido, ya sea el social, el artístico, el moral, el familiar, el ciudadano, el político, el docente, etc. El situacionismo luego influenciaría a posteriores movimientos como el mayo del 68, los cyberpunks, los urban gamers, el grupo Stalker, etc, además de arquitectos (Bernard Tschumi), Cineastas (Jean Luc Godard, Dogma 95), filósofos (les nouveaux philosophes, los postmodernistas) y urbanistas como Gilles Ivain (urbanismo situacionista) y Giovanni La Varra (Post-it city).

El Mayo Francés (Mayo del 68)

Así, el pensamiento situacionista tuvo una excesiva influencia en la revuelta estudiantil de París en mayo de 1968. Ellos ya habían vaticinado aquella explosión, que ningún otro intelectual o teórico fue capaz de explicar. Aún así, el hecho fue una sorpresa para todos.

Todo se inició cuando se produjeron una serie de huelgas estudiantiles en numerosas universidades e institutos de París, seguidas de confrontaciones con la universidad y la policía. Las protestas estudiantiles tuvieron su origen en la oposición al capitalismo, a la guerra de Vietnam y el imperialismo, a la incapacidad del anticuado sistema universitario para dar ofertas laborales a los recién licenciados, a las normas sociales que impedían acceder a los dormitorios de las mujeres en las universidades, entre otras cosas.

El intento de la administración del presidente francés Charles de Gaulle de ahogar las huelgas mediante una mayor represión policial sólo contribuyó a encender los ánimos de los estudiantes, que protagonizaron batallas campales contra la policía en el Barrio Latino.

Estos ánimos influenciaron a los trabajadores que iniciaron fuertes huelgas que paralizaron el país, en las cuales, el principal promotor fue la CGT (del Partido Comunista Francés). Los trabajadores llegarían a los diez millones en todo el territorio francés, pero a medida que el movimiento se fue radicalizando, la CGT se fue distanciando del movimiento.

Collage de imágenes con expresiones utilizadas por los estudiantes y trabajadores

El gobierno se encontraba, en ese punto, al borde del colapso (la Asamblea Nacional se disolvió), pero la situación revolucionaria se evaporó tan rápido como había surgido. Los trabajadores, después de haber conseguido importantes mejoras salariales, volvieron al trabajo, a petición de la CGT, y del Partido Comunista Francés. Cuando se celebraron las elecciones, el partido gaullista emergió más fuerte que antes.

A modo de conclusión, el Marxismo –lo más adecuado para interpretar un fenómeno de este tipo- no valía sus esquemas de lucha de clases e insurrección proletaria con lo que estaba pasando, ya que la reivindicación no era tanto económica sino vital, subjetiva e incluso estética.

La metodología marxista se veía incapaz de interpretar slogans como "prohibido prohibir" "bajo los adoquines hay una playa", "la imaginación al poder", "no queremos un mundo donde la garantía de no morir de hambre se compense con la garantía de morir de aburrimiento", "A divertirse!" por lo que se identificó al Situacionismo como la influencia directa. La revuelta no provocó cambios realmente decisivos en la sociedad francesa, salvo en la Universidad, las fábricas y las prestaciones sociales del Estado.

En los carteles de los manifestantes se apreciaron slogans como el famoso "Prohibido prohibir"

Sin embargo, hubieron ciertos cambios en el estilo de vida, en la familia, en las relaciones de pareja, en las formas de ocio, etc. que coincidían con lo que pudiéramos llamar la evolución natural de la realidad. El movimiento influyó también en la filosofia y el cine francés. En el campo de la filosofía, surgieron les nouveaux philosophes, los nuevos filósofos que participaron en la revuelta estudiantil, destacando un desencanto por el marxismo. Por su lado, en el cine francés, y volviendo al tema de la Nouvelle Vague, varios de los directores mas representativos de este movimiento, como Jean Luc Godard, dirigirían películas revolucionarias...para audiencias revolucionarias!

2do DOMINGO COMUNITARIO - BARRIO SAN FRANCISCO

Vista de la canchita-mirador del barrio San Francisco

El domingo 11 de Octubre se llevó a cabo el 2do Domingo Comunitario en el barrio de San Franciso en la Balanza, Comas. Al igual que el 1er Domingo Comunitario, este evento sirvió para el mejoramiento de uno de los barrios de La Balanza, y además, para fomentar la integracion de los vecinos, no solo de San Francisco, sino tambien de otros asentamientos, y de la comunidad FITECA, sumandose ademas distintas personas provenientes de las mas diversas instituciones y universidades (UNI, PUCP, Bellas Artes, UPC, etc) dispuestas a colaborar con la causa y pasar lindos momentos.

Para este 2do Domingo se formaron las comisiones de Picardo y Movimiento de Tierras, Sembrado de Plantas, Pintado de Casas y de Muralizaciones . El trabajo realizado no termina en aquella fecha ya que en realidad es un empuje a que se realizen trabajos comunitarios de forma continua en cada barrio, por lo que varias de estas obras simbólicas son puntos de inicio para obras de mayor envergadura. Además, el evento incentiva a que otros barrios de La Balanza se impulsen a hacer lo mismo, y asi finalmente armar todo un programa, a largo plazo, de Domingos Comunitarios en La Balanza.

El LLamado! Se inicia el Domingo Comunitario!

Pasacalle subiendo al barrio de San Francisco. Todos a trabajar!

Comenzando con las intervenciones. Aquí con el mural informativo del barrio.

Pintando las casas con colores intensos.

Tres casas y una tienda fueron pintadas. Además se pintaron los arcos y los postes de la canchita.

Muralización, basada en frases e imágenes creadas por los mismos vecinos, y llevada a cabo por los chicos de El Colectivo e invitados.

Las mas pequeñas del barrio encandilando con exóticos ritmos hindúes.

Los mas chicos del barrio dando lecciones de trabajo comunitario.

Grupo de niños volando cometa... dando color al cielo de La Balanza!

Por otro lado, los participantes pudieron apreciar agradables y variados shows musicales, con una dinámica parecida al domingo anterior: Las comisiones trabajaban y en paralelo se presentaban números musicales para animar el ambiente. Y claro, a partir de la hora del almuerzo, vinieron los números más esperados como el de la orquesta Jazzjaus, una de las mejores orquestas de Jazz de todo el Peru, que a parte de deleitarnos toda la tarde con las mas diversas formas de jazz, hicieron talleres musicales con los chicos de La Balanza. Sin embargo, los vecinos de San Francisco no se quedaron atrás (sobretodo los mas pequeños) y nos mostraron números de danza y música.

Jorge Rodríguez y sus muñecones.

Batucada para animar el almuerzo. Por cierto, buenísima la carapulcra preparada por las vecinas.

JazzJaus listo para su presentación al aire libre (cancha del barrio San Franciso)

Mónica de JazzJaus y su hermosa voz. De fondo: la tienda del barrio intervenida en amarillo.

Las chicas de San Franciso en show de danza a ritmo de reggaetón.

Fiesta de cierre, a ritmo de salsa dura, con Jazzjaus.

Parte de la Comunidad Fiteca y los vecinos de San Francisco, luego de la reunión de evaluación.

Texto y Fotos: Gonzalo Díaz

Niños dando su "granito de arena" en la comisión de Sembrado de Plantas.

POST-GUERRA-POST

Un post sobre la influencia de la postguerra en el cine, la filosofía, el urbanismo y la arquitectura
(Introducción al CINE FAUA, película: El Ladrón de Bicicletas)

Por Gonzalo Díaz

El Ladrón de Bicicletas

1 - La Postguerra en el Cine: EL NEORREALISMO ITALIANO

El Neorrealismo Italiano es el movimiento cinematográfico surgido en Italia inmediatamente después de la 2da Guerra Mundial (1939-1945). Así como el primer Realismo (el poético francés) se dio por la degradación social que implico la revolución industrial, este Neorrealismo nace por la degradación social que implicó la 2da Guerra, más aun, si hablamos de la destrozada Italia de Mussolini. La realidad no podía dejarse de lado!

En esta corriente se fijaron las bases de un cine hecho por gente de la calle y no por las megaestrellas. Implica un cine más personal, de condiciones y presupuestos casi precarios. Por otro lado, los neorrealistas denuncian la industria de Hollywood y sus filmes ambiciosos, felices, ideales y generalmente irreales. Sus principales representantes fueron Roberto Rossellini (Roma Ciudad Abierta), Luchino Visconti (La Tierra Tiembla) y Vittorio de Sica (El Ladrón de Bicicletas).

El Ladrón de Bicicletas (1948) es, tal vez, la mejor película del Neorrealismo Italiano. Este poético film destila, además de romanticismo y melancolía, la triste atmosfera de ese preciso momento histórico de la postguerra. El plano general y paisajístico es el que predomina, pues se utiliza para describir la realidad de un contexto; el contexto de la Italia destrozada con un mercado negro en aumento, desempleados esperando un empleo y cientos de trabajadores movilizándose en buses públicos, o incluso, en bicicletas, aquellas que para la sociedad occidental son solo objetos irrisorios.

2 – La Postguerra en la Filosofía: EL FIN DE LO RACIONAL

El aporte más importante que dejó la 1ra y 2da Guerra Mundial para el pensamiento, fue demostrar palpablemente que el Racionalismo fue un fracaso. Aquel movimiento absolutista que tomaba la RAZON para dominar la naturaleza y el mundo en general (y que según su fundador René Descartes: “Dios mismo se lo revelo”) terminaría contrariamente por destruir al mundo.

Ya “Los Tres Maestros de la Sospecha” (expresión de Paul Ricoeur) atacaron al Racionalismo y su carácter falso y dominante. Primero Karl Marx evidenciando un materialismo económico: La razón se falseaba por intereses económicos, luego Friederich Nietzche diciendo que la razón era la máscara de una voluntad de poder, y luego Sigmund Freud resaltando el inconsciente dinámico, propio de cada ser humano, como algo totalmente irracional (demostrado en el deseo sexual, la frustración y la agresividad, y que luego devendrían en las guerras).

Los Dadaístas, con Tristan Tzara a la cabeza, darían la estocada final: Ellos concluyen, con su manera sarcástica y deshinibida, que si el Racionalismo nos llevó a dos guerras mundiales, entonces tiene que llegar a su fin!

3 – La Postguerra en el Urbanismo: RECONSTRUIR CIUDADES

Al acabar la Segunda Guerra Mundial (1945), los arquitectos deben enfrentarse con el problema de la reconstrucción especialmente grave en los países europeos. Aunque se pasa entonces por un período de cierta indecisión estilística, el programa arquitectónico de urgencia (hasta 1950 aproximadamente) se va a llevar a cabo con las premisas formales del “estilo internacional”, en base a los acuerdos de los CIAM.

Una de las ciudades más afectadas seria Rotterdam en Holanda. Luego del bombardeo de 1940 la ciudad prácticamente había desaparecido. Arquitectos como Rem Koolhaas nacerían en una ciudad vacía. Después de varios intentos de planeamientos urbanos se propuso la arquitectura como primera obligación del país, algo muy aplaudible y necesario para países como el nuestro.

Rotterdam luego del bombardeo de 1940

En la ciudad el vacío dio una verdadera oportunidad a los arquitectos (reconstruir una ciudad de la nada) y eso fue lo que hicieron. Durante los años 50 y 60 se construyeron numerosos edificios para llenar los espacios vacíos entre las casas que sobrevivieron el ataque. Esto creo una curiosa mezcla de viejos y nuevos edificios. Más tarde estos edificios fueron demolidos para hacer otros más grandes y modernos. Rotterdam paso a ser un labortario experimental para arquitectos europeos (Renzo Piano, Norman Foster, Ben Van Berkel, Bolles & Wilson, etc.). Actualmente es el puerto más grande del mundo.

Rotterdam en la actualidad, en la foto se aprecia el edificio KPN de Renzo Piano y el puente de Van Berkel

4 – La Postguerra en la Arquitectura: RECONSTRUIR MEMORIAS

Luego de varias décadas, cuando ya la postmodernidad había transformado el pensamiento arquitectónico, la memoria de la 2da Guerra Mundial estampó su sello en varios museos. El más emblemático: El Museo Judío de Berlín, obra del arquitecto polaco Daniel Libeskind.. Para él, este museo no solo es un símbolo sino también un síntoma: "un síntoma de la nostalgia por lo perdido, o con mayor precisión, por los judíos aniquilados. Es el síntoma de una historia enferma".

Los museos son antirrevolucionarios porque no permiten que el pasado sea olvidado. No desean destruir lo que ocurrió, al contrario lo preservan y señalan cuál es la manera de construir nuevamente a base de lo que fue, y, al mismo tiempo, dibujan el horizonte posible.

Más escultura que espacio (según sus detractores), la sede del Museo Judío es un edificio deconstructivista lleno de pasillos cortados, geometrízados dolororasamente bajo una estética futurista (comic) pero sobria, donde según los críticos se muestran los desastres como oportunidades para crear algo semejante a los parques temáticos.

El economista David McWilliams cita el Museo Judío como el mejor ejemplo de arquitectura conmemorativa que genera poder blando, que por contraste con el poder duro de las armas y la industria, busca plasmar la marca-imagen de la ciudad y persuadir, seducir y atraer el dinero de los visitantes.

El arte transforma el desastre en fuente de creatividad, que para los gurús del desarrollo cultural urbano, es el recurso fundamental de la competitividad entre las "ciudades de la nueva economía" (Castells). Pero la conmemoración de lugares de genocidio y desastre es un caso especial y peculiar del recurso de la cultura. Por una parte, el ser humano tiene necesidad de duelo; por otra, lo provoca transformar estos acontecimientos en escenarios no sólo de conmemoración sino de consumo y rentabilidad, utilizando la arquitectura para tres fines: conmemoración, lucro y espectáculo.

Ahora que estamos en una etapa decisiva para la construcción del Museo de la Memoria en Lima. Esperamos que el gran desafío de la arquitectura conmemorativa sea, pues, reconectar la experiencia de lo real con algún horizonte moral, no de consumismo, ni un discurso burocratizado de los derechos humanos ni el del fácil entretenimiento. Un buen ejemplo a seguir es El Museo de la Memoria de ANFASEP “Para que no se repita” en Ayacucho. El museo se inauguró en el año 2005, gracias al apoyo de la cooperación internacional, el gobierno y algunas ONGs de derechos humanos.

Museo de la Memoria de ANFASEP “Para que no se repita” en Ayacucho